女性作曲家の小品シリーズ ①

Spotlight on female composers-I am discovering these gems and want to start sharing some of them with you. Simple and in C major.

女性作曲家にスポットライトを当てて-これらの知られざる珠玉の小品(シンプルなハ長調の曲)をご一緒に!

 

1.Cécile Chaminade セシル・シャミナード(1857-1944)

Cécile Chaminade “Album des enfants” Op.123 No.1
 

 

Cécile Chaminade (1857-1944) “Album des enfants” Op.123 No.1

She was a French composer and pianist. In 1913, she was awarded the Légion d'Honneur, a first for a female composer. She was also popular in England and the US.‬ 

 

セシル・シャミナード (1857-1944) 「子供のアルバム」 Op. 123 No.1

彼女はフランスの作曲家であり, ピアニストでした。 1913年, 女性作曲家で初めてレジオンドヌール勲章を授与されました。 彼女はイギリスや米国でもよく知られていました。

 

my dear friend Melanie Spanswick’s atmospheric “In a Daze”.

She says “I wrote this piece very quickly whilst sitting at the piano, experimenting with various 'atmospheric' sounds. Even though it's a fairly short, simple work, I hope it's possible to explore a wide range of sonorities and tonal colours, conjuring the appropriate trance-like character.” Melanie Spanswick is an esteemed British pianist, writer, teacher, and composer who has authored best-selling books on many aspects of piano performance and pedagogy. She holds an MMus from the Royal College of Music where she won many prizes and scholarships, including the Arnold Ziff Prize for the most outstanding postgraduate pianist and a Leverhulme Trust Scholarship. Her works are published from

Schott Music

. More info on: melaniespanswick.com

The Classical Piano & Music Education Blog - Melanie Spanswick

 

私の親愛なる友人、メラニー・スパンズウィックさんの作品「大気の中」

 

彼女は、「ピアノに座っている間, いろいろな"大気"の音を感じながら, すぐにこの作品を書きました。短く, シンプルな作品ですが,忘我の感覚のような, 幅広い色合いを表現できていれば良いのだが」と述べています。彼女は, ピアノの演奏や教育学などの様々な分野でベストセラーの本を執筆している英国のピアニストであり, 作家, 教師, 作曲家です。ロイヤルミュージックカレッジオブミュージックのロンドン大学音楽修士。 アーノルドジフ賞, 最も優秀な卒業生のピアニスト奨学金やレバーハルムトラスト奨学金を含む, 多くの賞品や奨学金を獲得しています。 彼女の作品はSchott Musicから出版されています.

詳細情報: melaniespanswick.com

The Classical Piano & Music Education Blog - Melanie Spanswick

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Melanie Spanswick atmospheric “In a Daze”

3.Louise Farrencルイーズ・ファランク(1804-1875)

 

Louise Farrenc’s 25 Etudes faciles (25 Easy Studies) Op.50 No.1

Louise Farrenc (1804-1875) was a French composer, virtuoso pianist and teacher. Born Jeanne-Louise Dumont in Paris, she was the daughter of Jacques-Edme Dumont, a successful sculptor, and sister to Auguste Dumont, also a sculptor. She enjoyed a considerable reputation during her own lifetime, as a composer, a performer and a teacher. Her teachers included Ignaz Moscheles and Johann Nepomuk Hummel, and studied composition with Anton Reicha, the composition teacher at the Conservatoire, although it is unclear if the young Louise Dumont followed his classes there, since at that time the composition class was open only to men. In 1821 she married Aristide Farrenc, who opened a publishing house in Paris, which, as Éditions Farrenc, becoming one of France's leading music publishers for nearly 40 years.

In 1842 she was appointed to the permanent position of Professor of Piano at the Paris Conservatory, a position she held for thirty years and one which was among the most prestigious in Europe. Despite many of her students graduating with Premier Prix and becoming professional musicians, Farrenc was paid less than her male counterparts for nearly a decade. Only after the triumphant premiere of her nonet, at which the famous violinist Joseph Joachim took part, did she demand and receive equal pay. She also produced and edited an influential book, Le Trésor des Pianistes, about early music performance style, and was twice awarded the Prix Chartier of the Académie des Beaux-Arts, in 1861 and 1869.

 

ルイーズ・ファレンク 「25の易しい練習曲」 Op.50 No.1

ルイーズファレンク(Louise Farrenc, 1804-1875)はフランスの作曲家, ピアニスト、教育家。 パリのジャンヌ=ルイーズデュモント生まれ, 彼女は著名な彫刻家, ジャックエドメデュモントの娘であり, 同じく彫刻家のオーギュストデュモントの妹でもある。 彼女は, 作曲家, 演奏家, 教師として, 名を成した。 パリ音楽院でアントニン・レイハに作曲を師事。 一説によると、ヨハン・ネポムク・フンメルにピアノの薫陶を受けたとも伝えられている。1821年にフルート奏者で楽譜出版業のアリスティド・ファランクと出会って結婚。1826年に一人娘のヴィクトリーヌを出産。彼女もまた母親同様に職業ピアニストの道を歩んだ。

1842年から72年まで, パリ音楽院のピアノ科教授。さしあたって補助職員並みの俸給しか得られなかったために、8年もの間、男性教授並みの給与を求めて闘い続けた。 1850年には、《九重奏曲》作品38がヨーゼフ・ヨアヒムの出演を得て成功を収めた。それでも給与は内務省の規定よりも低く、同僚の男性教師はもとより、後から入った教師よりも低かったことから、校長のオベールに不当を訴え続け、1852年にやっと規定額に昇給した。16世紀から19世紀半ばまでの鍵盤楽曲のアンソロジー、全23巻 ピアノ曲集『ピアニストの宝庫 Le Trésor des Pianistes』を出版。 1861年と1869. 年と1869. 年にはAcadémie des Beaux Chartierを受賞。

Louise Farrenc  25 Etudes faciles  Op.50 No.1

4.Florence Beatrice Price フローレンス・ベアトリス・プライス(1887-1953)

 

Florence Price’s “Adoration” (for organ).

Florence Beatrice Price (1887-1953) was an African-American classical composer, pianist, organist and music teacher. Price is noted as the first African-American woman to be recognised as a symphonic composer, and in 1933, the first to have a composition played by a major orchestra.

Price wrote other extended works for orchestra, chamber works, art songs, works for violin, organ anthems, piano pieces, spiritual arrangements, four symphonies, three piano concertos, and a violin concerto. Some of her more popular works are: "Three Little Negro Dances," "Songs to a Dark Virgin", "My Soul's Been Anchored in the Lord" for piano or orchestra and voice, and "Moon Bridge". Price made considerable use of characteristic African-American melodies and rhythms in many of her works. Her Concert Overture on Negro Spirituals, Symphony in E minor, and Negro Folksongs in Counterpoint for string quartet, all serve as excellent examples of her idiomatic work. Price was inducted into the American Society of Composers, Authors, and Publishers in 1940 for her work as a composer.

In 2009, a substantial collection of her works and papers were found in an abandoned dilapidated house on the outskirts of St. Anne, Illinois. These consisted of dozens of her scores, including her two violin concertos and her fourth symphony. As Alex Ross stated in The New Yorker in February 2018, "not only did Price fail to enter the canon; a large quantity of her music came perilously close to obliteration. That run-down house in St. Anne is a potent symbol of how a country can forget its cultural history."

The New York-based firm of G. Schirmer now have exclusive worldwide rights to Florence Price's complete catalogue.

 

フローレンス・プライス 「礼拝」 (オルガン用)

 

フローレンス・プライス(1888年 - 1953年6月3日)は、アメリカ合衆国の作曲家。アメリカ初の黒人女性の交響曲作曲家。

アーカンソー州出身。ソプラノ歌手でピアニストの母親から音楽教育を受け、14歳の時にニューイングランド音楽院に入学した。ニューイングランド音楽院では作曲と対位法をジョージ・ホワイトフィールド・チャドウィックとフレデリック・コンヴァースに師事し、最初の弦楽三重奏曲と交響曲を完成させ、1907年に卒業した。

1907年から1927年にかけてアーカンソー州で教職につき、1912年には弁護士のトーマス・J・プライスと結婚した。しかし1927年、リトルロックでリンチ事件が続発したため、一家はシカゴに移住した。シカゴで作曲・管弦楽法・オルガンをアーサー・オラフ・アンダーソン、カール・ブッシュ、ウェズレー・ラ=ヴァイオレット、レオ・サワビーらに学び、1928年に4つのピアノ小品を出版した。さらにシカゴ音楽大学、シカゴ教育大学、シカゴ大学、アメリカ音楽院などで聴講し、音楽、語学、リベラル・アーツを学んだ。

1932年、ワナメイカー財団賞に応募した交響曲第1番ホ短調が1等賞を、ピアノソナタが2等賞を獲得し、交響曲第1番は翌年にシカゴ交響楽団で初演された。その後、4つの交響曲管弦楽曲、3つのピアノ協奏曲、ヴァイオリン協奏曲、室内楽曲、オルガン曲、ピアノ曲、歌曲などを作曲し、黒人霊歌の編曲も手がけた。その作品は南部の伝統が顕著にうかがえる。

Florence Price’s “Adoration” (for organ)
 

5.Kay Cavendishケイ・キャヴンディッシュ(1908-2000)

It’s Friday! Though it’s still the afternoon in the UK, here is

Kay Cavendish’s “A Midnight Mood”.

 

Kathleen Dorothy Cavendish Murray (1908-2000), who was billed as Kay Cavendish, was a British classically trained pianist and popular entertainer. She studied at the Royal Academy of Music, where she was awarded a gold medal. She became a member of The Cavendish Three, a close harmony trio, and she made over 400 episodes of her weekly BBC radio programme, 'Kay on the Keys'. She died in Tunbridge Wells, Kent, aged 89.
 

 今日は金曜日です! 英国はまだ午後ですが,

ケイ・キャヴィンディッシュの「真夜中の気分」です.

ケイ・キャヴィンディッシュ、Kathleen Dorothy Cavendish Murray (1908-2000)は, イギリスの古典的に訓練されたピアニストで人気のエンターテイナーでした。 彼女はロイヤルアカデミーオブミュージックで学び, 金メダルを授与されました. The Cavendish Threeというトリオのメンバーになり, 毎週BBCラジオ番組"Kay on the Key"で400曲以上を制作しました。 彼女はケントのチュンブリッジウェルズで89 歳で亡くなった。

Kay Cavendish  “A Midnight Mood”

6.Amy Beachエイミー・ビーチ(1867-1944)

 

Amy Beach’s "Gavotte" from Children’s Album Op.36 No.2.

Amy Marcy Cheney Beach (1867-1944) was an American composer and pianist. She was the first successful American female composer of large-scale art music. Her "Gaelic" Symphony, premiered by the Boston Symphony Orchestra in 1896, was the first symphony composed and published by an American woman. She was also one of the first American composers to succeed without the benefit of European training, an...d one of the most respected and acclaimed American composers of her era. As a pianist, she was acclaimed for concerts she gave featuring her own music in the United States and in Germany.

As a child, she was prodigious and rejected formal education (she taught herself composition). When Beach, aged 18 married to a Boston surgeon twenty-four years her senior, the marriage was conditioned upon her willingness "to live according to his status, that is, function as a society matron and patron of the arts. She agreed never to teach piano, an activity widely associated with women" and regarded as providing "pin money." She further agreed to limit performances to two public recitals per year, with profits donated to charity, and to devote herself more to composition. Her self-guided education in composition was also necessitated by Dr. Beach, who disapproved of his wife studying with a tutor.

With the success of her Mass in E flat major in 1892 and “Gaelic Symphony” in 1896, she became the youngest and the only woman of the “Boston Six” (which included Edward MacDowell). While she had agreed not to give private music lessons while married, Beach was able to work as a music educator during the early 20th century after her husband’s death in 1910. She served as President of the Board of Councillors of the New England Conservatory of Music. She worked to coach and give feedback to various young composers, musicians, and students. Given her status and advocacy for music education, she was in high demand as a speaker and performer for various educational institutions and clubs.Her writing is mainly in a Romantic idiom, often compared to that of Brahms or Rachmaninoff.
 

エイミー・ビーチ 「ガボット」子供のアルバムより Op.36 No.2

ニューハンプシャー州ヘニカー出身で旧姓はマーシー=チェニー(Marcy Cheney)。両親はともにピルグリム・ファーザーズにさかのぼる家系で、父方のマーシー家は政治・軍事・外交・学問・工業で成功者を輩出している。母親クレアは結婚によって断念したが、すぐれたピアニストであった。

幼少期より神童ぶりを発揮し、4歳で即興演奏や作曲を開始、それまでに40曲を口ずさむことができたといわれる。6歳から厳格でうるさ型の母親にピアノの手ほどきを受け、まもなくショパンシューマンを含むレパートリーを、非公式の場で演奏することができるようになり、また自作を記譜して残す習慣も身につけた。1883年にピアニストとして正式にデビューし、いくつかの協奏曲ボストン交響楽団と共演する。

1885年ボストンの外科医ヘンリー・ビーチ博士に後妻として娶られる。この結婚はエイミー自身よりも、母親が乗り気であったとされ、演奏活動によって報酬を得ることを止めるようにとのビーチ博士の要望も、母親の同意を得て示されたようである。しかしながらビーチ博士は、新妻の才能がピアニストとしての演奏よりも、作曲にあることを確信していたようで、作曲家としてたゆまぬ活動を続けるように説得し、応援し続けた。博士がビーチに作曲をさせたのは、家庭に引き止めておきたかったからだとする主張もかつては唱えられたが、現在では博士が彼女にいっさい家事をさせなかったことがわかっている。いずれにせよ、ビーチのピアニストとしての活動は制約されたものの、新作を含めて自作の発表で演奏することは許可されていたため、ビーチの盛んな創作活動は、演奏活動への希望と結びついていたのかもしれない。

1910年に夫が不慮の事故死をとげ、翌年に母親も他界すると、ピアニストとしての活動に復帰し、自作の紹介も兼ねてヨーロッパに渡った。第一次世界大戦の勃発によって1914年にアメリカに強制送還されるまで、ドイツを拠点に演奏活動と外国生活を楽しんだ。ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団によって、《交響曲ホ短調「ゲール風」》(1897年頃作曲)と《ピアノ協奏曲嬰ハ短調》(1899年頃作曲)が演奏されたのもこの頃であり、自作がベルリン・フィルによって演奏された、最初のアメリカ人作曲家にして最初の女性作曲家となった。

帰国後は、新時代の趣味の変化によって、作曲家としてほとんど顧みられなくなったが、ニューハンプシャー州ピーターバラのマクダウェル・コロニーや、ニューヨーク州を拠点に創作活動を続けた。また、女性作曲家の長老として、数々の社会事業で指導的な役割を積極的に引き受けた。ニューヨーク市で老衰により亡くなった。享年77。

作風[編集]

エイミー・ビーチは、ブラームスの堅固で精巧な作曲技法と、ワーグナーの進歩的な和声法半音階的な書法を、独自のやり方で調和させた作曲家であった。フランスの音楽理論を独習したため、色彩的な管弦楽法や流麗な転調、魅力的な旋律美と情熱的な表現などが特徴的で、以上の性格からエイミー・ビーチの作風は、いくぶんフランクや初期のツェムリンスキーによく似ている。

当初はドイツ・ロマン派音楽の模倣に始まったが、チャドウィックとの親交やマクダウェルに対する敬意、ドヴォルザークへの反感から、イギリス諸島に由来する民族音楽(とりわけスコットランドアイルランド民謡)の要素を、積極的に取り入れるようになった。唯一の交響曲に添えられた副題「ゲール風 Gaelic」とは、ケルト民族の部族名ゴイデルを暗示しており、つまりは「アイルランド風」という意味である。

その他の主要な作品に、《交響的ミサ曲 変ホ長調》(1893年)、《ヴァイオリン・ソナタ イ短調》(1898年ごろ)、《ピアノ五重奏曲 嬰ヘ短調》(1906年)、《弦楽四重奏曲》(1921年ごろ)、《ピアノ三重奏曲 イ短調》(1941年ごろ)のほか、たくさんの合唱曲や声楽曲がある。歌劇は1幕ものの室内オペラ《参事会会議場 Cabildo》しか残さなかった。ピアノ曲はショパンリストの華麗な書法を、ブラームスの重厚で緻密な展開に結びつけ、非常に洗練されている。歌曲は、サロン音楽の伝統にのっとって軽く感傷的なものから、民謡の面影をはっきりと留めたもの、より表現の意欲的なものまで幅広い。ヨーロッパから帰国後の晩年の作品では、半音階的書法を推し進めて、全音音階的なパッセージを取り入れるようになった。

またエイミー・ビーチは、リムスキー=コルサコフドビュッシーなどのように、音を聞くと色彩を感じる(あるいは色彩の刺激で音を感じる)共感覚の持ち主であり、作曲や編曲の際に調性を選ぶに当たっては、色との結びつきを念頭に置いていたという。

Amy Beach   "Gavotte"
from Children’s Album Op.36 No.2
 

7.May Fukasawa 深澤 舞

 

May Fukasawa  Lullaby from “5 Scenes from Snow Droplets”

A new week! Today’s clip is Lullaby from “5 Scenes from Snow Droplets” by Japanese composer and long-time friend Mai Fukasawa, who composes on the theme of prayer sounds.

Her compositions have been performed and published in Japan, US, and Europe. Mai completed a graduate course at the Toho Gakuen College of Music in Tokyo, after which she earned a distinction in a Master of Music in Composition from the Guildhall School of Music & Drama in London. Aft...er moving to Boston, Mai was honoured with a scholarship from the Berklee College of Music, where she continued her studies in the film scoring department. Mai was invited to the #CityofLondonFestival and her pieces have been broadcast on #BBCRadio. She is currently a pre-college course lecturer at the Toho Gakuen College of Music.

 

 

深澤 舞 「雪からこぼれた5つの情景」より「子守唄」

先週から毎日(日曜日を除く)、女流作曲家に焦点を当てて簡単な曲を演奏付きで一曲ずつ紹介してきました。今日、7回目は、桐朋学園の高校時代、その後ロンドンでも交流を持たせていただいてきた、素敵な深澤舞さんです。作品は「雪からこぼれた5つの情景」より「子守唄」です。

プロフィール
「祈りの音」を主題に作曲活動を行う。桐朋女子高等学校音楽科、同大学を経て、同研究科作曲専攻修了。英国Guildhall 音楽院作曲修士課程を最優秀を得て修了。奨学金を得てBerklee音楽院ディプロマコースにて映画音楽を専攻。 Vancouver Metropolitan Orchestra、NHKファミリーコンサート、佐藤紀雄+川口雅行デュオコンサート等で委嘱作品が初演された他、声楽、器楽、子どものための作品を中心に発表。ロンドンにて City of London Festivalに参加、和楽器作品がBBC Radioにて放送される。作編曲作品がカワイ出版及びTREKEL社より発売されている。桐朋学園大学附属「子供のための音楽教室」講師。

May Fukasawa  Lullaby
from “5 Scenes from Snow Droplets”

8.Laura Valborg Aulin ラウラ・ヴァルボリ・アウリン(1860-1928)

 

Valborg Aulin’s Romanza Op.8 No.1.

Laura Valborg Aulin (1860-1928) was a Swedish pianist and composer. Two works by Aulin, String Quartet E Minor Op.17 and String Quartet F Minor are the most important Swedish music compositions in that genre from the 1880s. Aulin started taking piano lessons from her grandmother and enrolled at the Royal Swedish Academy of Music when she was 17. Aulin was also tutored at the Royal College of Music, Stockholm by Herman... Behrens and Ludvig Norman. Norman was an important supporter of Aulin for most of her life and when Norman died in 1885, she composed the Pie Jesu Domine for choir and orchestra. In 1880, Aulin held her first public performance at Söderköping, and went on tour with her brother Tor Aulin to Norrland. Aulin studied piano and composition for 5 years before winning a Jenny Lind Mendelssohn Travelling Fellowship where she travelled to Copenhagen and Paris to receive composition study from female pianist E. Bourgain as well as Jules Massenet, Ernest Guiraud and Benjamin Godard. In Paris, Aulin created two works, Tableaux Parisiens for orchestra and Procul este for solo voice, choir and string orchestra.

Upon returning to Sweden, Aulin began a career as a teacher, pianist and composer. Between 1887 and 1901, she also gave recitals of her compositions. As a pianist she often played with her brother, Tor Aulin, and others to form the Aulin Quartet.

Besides many lieder and pieces for solo piano, her compositions included organ music. At the age of 43, Aulin decided to move from the capital, the place where grew up in, to Örebro, a city some 125 miles to the west. The reasons for her departure have never been determined, although it has been speculated that she became fed up with the constant challenges faced by her regarding the musical culture in Stockholm, particularly since Aulin was female and also that she had certain difficulties with her mother. Aulin's work was performed less and less, and would be forgotten. It was only in 1991 that Quartet No. 2 was given its next performance. 

 

ラウラ・ヴァルボリ・アウリン ロマンス Op. 8 No. 1

ラウラ・ヴァルボリ・アウリン (Laura Valborg Aulin, 1860-1928)はスウェーデンのピアニスト オーリン, 弦楽四重奏曲ホ短調 Op. 17と弦楽四重奏曲ヘ短調は, 1880年代のそのジャンルで最も重要なスウェーデンの音楽楽曲です. アウリンは祖母からピアノのレッスンを受け始め, 17 歳の時にスウェーデン王立音楽アカデミーに入学しました. アウリンは, ストックホルムのロイヤルカレッジオブミュージックでヘルマン・ベーレンスとルードヴィグ・ヌールマン にも指導されました. ヌールマンは生涯アウリンの重要なサポーターであり, 1885年にヌールマンが亡くなった時, 合唱団とオーケストラのためにレクイエム「慈悲深い主イエスよ」を作曲しました. 1880年, オウリンはセーデルシェーピングで初の公開公演を行い, 弟のトール・アウリンとノールランドへツアーに行きました. アウリンは, 5年間ピアノと作曲を学んだあとジェニーリンドメンデルスゾーントラべリングフェローシップを獲得し、コペンハーゲンとパリで、 女性ピアニストE. ブルガン、  ジュール・マスネ, エルネスト・ギロー, ベンジャミン・ゴダールに師事した。 パリで, アウリンは2つの作品、 オーケストラのために「Tableaux Parisiens」とソロボイス, 合唱団, 弦楽団のために「 este」を作曲。

スウェーデンに戻ると, オウリンは教師, ピアニスト, 作曲家として活動を始め、1887年から1901年の間, 彼女は楽曲の朗読も行いました. ピアニストとして, 彼女はよく弟のトール・オウリンなどと一緒に演奏してオウリンカルテットを形成しました.

ソロピアノのための多くの作品の中にはオルガン音楽が含まれています. 43歳で, オウリンは首都から西へ125マイルの都市であるエレブロに引っ越したが, 特にオウリンは女性であり, 母親との困難を抱えていたことから、ストックホルムの音楽文化に挑戦するのにうんざりしたと推測されている。オウリンの作品が演奏されるのはどんどん少なくなり, 1991年に「カルテット№ 2」が演奏されたのみである。

Valborg Aulin’s Romanza Op.8 No.1

9.Sofia Gubaidulina ソフィア・グバイドゥーリナ(1931- ) 

 

Tatar-Russian composer Sofia Gubaidulina (1931- )’s “The Elk Clearing” from Musical Toys (No.10).

Sofia Asgatovna Gubaidulina was born in Chistopol, Tatar Autonomous Soviet Socialist Republic (now the Republic of Tatarstan), Russian SFSR, Soviet Union. After discovering music at the age of 5, she explored spiritual ideas through Judaism and found them in the works of composers such as Bach, Mozart, and Beethoven. Gubaidulina quickly learned to keep her spiritual interests secret from her parents and other adults since the Soviet Union was against any religious ideas. These early experiences with music and spiritual ideas led her to treat the two domains of thought as conceptually similar and explains her later striving to write music expressing and exploring spiritually based concepts.

She studied composition and piano at the Kazan Conservatory, graduating in 1954. In Moscow she undertook further studies at the Conservatory with Nikolay Peyko until 1959, and then with Shebalin until 1963. She was awarded a Stalin fellowship. Her music was deemed "irresponsible" during her studies in Soviet Russia, due to its exploration of alternative tunings. She was supported, however, by Dmitri Shostakovich, who in evaluating her final examination encouraged her to continue down her path despite others calling it "mistaken". In the mid-1970s Gubaidulina founded Astreja, a folk-instrument improvisation group with fellow composers Viktor Suslin and Vyacheslav Artyomov. In 1979, she was blacklisted as one of the "Khrennikov's Seven" at the Sixth Congress of the Union of Soviet Composers for unapproved participation in some festivals of Soviet music in the West.

Gubaidulina became better known in the west during the early 1980s through Gidon Kremer's championing of her violin concerto Offertorium and sprang to international fame in the late 1980s. In 2000, Gubaidulina, along with Tan Dun, Osvaldo Golijov, and Wolfgang Rihm, was commissioned by the Internationale Bachakademie Stuttgart to write a piece for the Passion 2000 project in commemoration of Johann Sebastian Bach. Her contribution was the Johannes-Passion. In 2002 she followed this by the Johannes-Ostern ("Easter according to John"), commissioned by Hannover Rundfunk. The two works together form a "diptych" on the death and resurrection of Christ, her largest work to date. Invited by Walter Fink, she was the 13th composer featured in the annual Komponistenporträt of the Rheingau Musik Festival in 2003, the first female composer of the series. Her work “The Light at the End” preceded Beethoven's Symphony No. 9 in the 2005 proms. In 2007 her second violin concerto In Tempus Praesens was performed at the Lucerne Festival by Anne-Sophie Mutter.

For Gubaidulina, music was an escape from the socio-political atmosphere of Soviet Russia. Gubaidulina notes that the two composers to whom she experiences a constant devotion are J.S. Bach and Webern. Among some non-musical influences of considerable import are Carl Jung (Swiss thinker and founder of analytical psychology) and Nikolai Aleksandrovich Berdiaev (Russian religious philosopher, whose works were forbidden in the USSR, but nevertheless found and studied by the composer).

Since 1992, Gubaidulina has lived in Hamburg, Germany. She is a member of the musical academies in Frankfurt, Hamburg and the Royal Swedish Academy of Music, and is recognised as one of the most important composers of our time.
 

 

 ソフィア・グバイドゥーリナ(1931 ~)「No.10 鹿のいる森の空き地」「音楽のおもちゃ」より

ソフィア・アスガトヴナ・グバイドゥーリナは, ソ連邦タタール自治共和国(現在のタタールスタン共和国)のチーストポリで生まれました. 5歳で音楽と出会った後, 彼女はユダヤ教を精神の拠り所とし、 バッハ, モーツァルト, ベートーヴェンなどの作品にもその精神を見つけました. ソ連がどの宗教も認めていなかったので, グバイドゥーリナは, 早い時期に親や他の大人から宗教への関心を秘密にすることを学んだ. 音楽と宗教観での初期の経験は, 思考の2つの領域を概念的に類似しているものとして扱い、彼女が後に精神的に基づいた概念を表現し探索する音楽を書くために努力している事を表している。

カザン音楽院で作曲とピアノを学び, 1954 年に卒業. ニコライ・ペイコと1959年まで、シェバリンと1963年までモスクワ音楽院で師事した。スターリンフェローシップ授与された。 彼女の音楽は、代替チューニングの探求により、ソビエトロシアでの研究中に「無責任」と見なされました。 しかし、彼女は彼女の最終試験を評価する際に、他の人がそれを「間違い」と呼んでいるにもかかわらず、彼女の道を進むことを奨励したドミトリ・ショスタコービッチによってサポートされました。  1970年代中頃, グバイドゥーリナは作曲家のヴィクトルスリンとヴャチェスラフ・アルチョーモフと一緒に民族楽器即興グループアストレジャを設立。 1979年、彼女はソビエト連邦作曲家連合の第6回会議で、西部のソビエト音楽のいくつかのフェスティバルへの未承認の参加により、「フレニコフの7人」の1人としてブラックリストに登録されました。

グバイドゥーリナは、1980年代初頭にギドンクレーマーがヴァイオリン協奏曲オッフェルトリウムを擁護し、1980年代後半に国際的な名声を博したことで、西洋でよりよく知られるようになりました。

2000年に、タン・ドゥンオスバルド・ゴリホフヴォルフガング・リームの3人と共に、シュトゥットガルト国際バッハ・アカデミーの委嘱によって《新ヨハネ受難曲》を作曲、これに続いてハノーファー放送局の委嘱によって、さらに《ヨハネ福音書による復活祭オラトリオ》を完成させる。これらの2曲は、イエス・キリストの死と復活を描いた「2部作」と呼ばれ、今のところグバイドゥーリナの最大規模を誇る作品となっている。なお、「新ヨハネ受難曲」というのはあくまで俗称であり、作曲者自身は「ヨハネ受難曲」と名づけている。

ウォルターフィンクに招待されて、彼女は2003年のラインガウミュージックフェスティバルの毎年恒例のコンポニスタンポートレートでフィーチャーされた13番目の作曲家で、シリーズの最初の女性作曲家でした。

2005年には、ベートーヴェンの「交響曲第5番」に倣った《終末の光明》が、プロムスでベートーベンの交響曲第9番に先行して上演されている。

2007年、テンポスプレゼンスでの2回目のヴァイオリン協奏曲は、アンソフィームッターがルツェルンフェスティバルで演奏しました。

グバイドゥーリナにとって、音楽はソビエトロシアの社会政治的雰囲気からの脱出で、彼女が絶えず念頭に置いていたのはJ.S.バッハとウェーベルン。音楽以外で影響を及ぼしたのが、カールユング(スイスの思想家で分析心理学の創始者)とニコライアレクサンドロヴィッチベルディアエフ(ロシアの宗教哲学者、その作品はソビエト連邦では禁止されていました)。 1992年以来、グバイドゥリナはドイツのハンブルクに住んでいます。彼女はフランクフルト、ハンブルク、スウェーデン王立音楽院の音楽アカデミーのメンバーであり、現代の最も重要な作曲家の1人として認められています。

ソフィア・グバイドゥーリナ
「音楽のおもちゃ」より
No.10「 鹿のいる森の空き地」

10.Maria Szymanowska マリア・シマノフスカ(1789-1831 ) 

 

Maria Szymanowska’s Mazurka No.17.

Maria Szymanowska (born Marianna Agata Wołowska; 1789-1831) was a Polish composer and one of the first professional virtuoso pianists of the 19th century. She toured extensively throughout Europe, especially in the 1820s, before settling permanently in St. Petersburg. In the Russian imperial capital, she composed for the court, gave concerts, taught music, and ran an influential salon, whose guests included Goethe, Rossini, John Field, Hummel, Adam Mickiewicz (her daughter married him) etc. Her 100 or so compositions - largely piano pieces, songs, and other small chamber works, as well as the first piano concert etudes, nocturnes and mazurkas in Poland—typify the style brillant of the era preceding Frédéric Chopin. Her influences on Chopin is immense (she knew him through Jozef Elsner, Chopin’s early teacher).

As Dr

Slawomir Dobrzanski

, an authority and a big influence on my work says:

“Her Etudes and Preludes show innovative keyboard writing; the Nocturne in B flat is her most mature piano composition; Szymanowska's Mazurkas represent one of the first attempts at stylization of the dance; Fantasy and Caprice contain an impressive vocabulary of pianistic technique; her polonaises follow the tradition of polonaise-writing created by Michal Kleofas Ogiński. Szymanowska's musical style is parallel to the compositional starting point of Frédéric Chopin; many of her compositions had an obvious impact on Chopin's mature musical language.”

Further reading from Dr Dobrzanski: https://books.google.co.uk/books/about/Maria_Szymanowska.html?id=vHU3AQAAIAAJ&source=kp_book_description&redir_esc=y

And the complete recordings of Szymanowska’s music: https://www.amazon.co.uk/Szymanowska-Complete-Slawomir-Dobrzanski-2013-05-03/dp/B01G47DHCU

My thesis on Szymanowska: https://openaccess.city.ac.uk/id/eprint/22012/

 

 

マリア・シマノフスカ マズルカ 第17番 

マリア・シマノフスカ (マリア・アガタ・ヴォウォフスカ; 1789-1831年生まれ)はポーランドの作曲家であり, 19世紀最初のプロのvirtuosoピアニストの一人です. 彼女はヨーロッパ, 特に1820年代, セントに永久に沈む前に, ヨーロッパ全土を広範囲に見学しました. ピーターズバーグ. ロシアの帝国首都で, 宮廷のために作曲し, コンサートを行い, 音楽を教えたり, 影響力のあるサロンを経営し, ゲーテ, ロッシーニ, ジョンフィールド, フンメル, アダムミッキーウィッチ(娘は彼と結婚した)などなど. 彼女の100以上の楽曲-ほとんどピアノ作品, 歌, その他の小さな部屋の作品, ポーランドでの最初のピアノコンサートエチュード, ノクターン, マズルカス-前フレデリックショパンのスタイルを表現しています. 彼女のショパンへの影響は巨大です(ショパンの初期の先生であるJozef Elsnerを通して彼を知っています).

私の仕事に大きな影響を与えた

Slawomir Dobrzanski

博士が言うように:

"彼女のエチュードとプレリュードは革新的なキーボードライティングを示しています. bフラットのノクターンは彼女の最も大人のピアノ作曲です. Szymanowskaのmazurkasはダンスのスタイライゼーションでの最初の試みの一つを表しています. 幻想とカプリスはピアニスティックテクニックの印象的な語彙が含まれています. 彼女のポロナイズ Michal Kleofas Ogiñskiによって作られたポロネーズライティングの伝統に従う. Szymanowskaの音楽スタイルはフレデリックショパンの楽曲のスタート地点と並行しています. 彼女の楽曲の多くはショパンの成熟した音楽言語に明らかな影響を与えました."

Dobrzanski博士からの更なる読書: https://books.google.co.uk/books/about/Maria_Szymanowska.html?id=vHU3AQAAIAAJ&source=kp_book_description&redir_esc=y

そしてSzymanowskaの音楽の完全な録音: https://www.amazon.co.uk/Szymanowska-Complete-Slawomir-Dobrzanski-2013-05-03/dp/B01G47DHCU

Szymanowskaに関する私の論文: https://openaccess.city.ac.uk/id/eprint/22012/

マリア・シマノフスカ マズルカ No.17

11.Lili Boulanger リリ・ブーランジェ(1893-1918) 

 

It’s Friday again (“not just my hands” day..)!

Today’s clip is by the very special composer who died at the age of 24 from illness, Lili Boulanger (1893-1918)’s D’un vieux jardin.

As a Parisian-born child prodigy, Boulanger's talent was apparent at the age of two, when Gabriel Fauré, a friend of the family and later one of Boulanger's teachers, discovered she had perfect pitch. Her mother, Raissa Myshetskaya (Mischetzky), was a Russian princess who married her Paris Conservatoire teacher, Ernest Boulanger (1815–1900), who won the Prix de Rome in 1835. Her father was 77 years old when she was born and she became very attached to him. Her grandfather Frédéric Boulanger had been a noted cellist and her grandmother Juliette a singer.

Boulanger accompanied her ten-year-old sister Nadia to classes at the Paris Conservatoire before she was five, shortly thereafter sitting in on classes on music theory and studying organ with Louis Vierne. She also sang and played piano, violin, cello and harp.

In 1912, Boulanger competed in the Prix de Rome but during her performance she collapsed from illness. She returned in 1913 at the age of 19 to win the composition prize for her cantata Faust et Hélène, becoming the first woman to win the prize.

Nadia Boulanger had given up entering after four unsuccessful attempts and focused her efforts upon her sister, who, after studying with her sister, studied with Paul Vidal, Georges Caussade and Gabriel Fauré—the last of whom was greatly impressed by her talents and frequently brought songs for her to read. Boulanger was greatly affected by the 1900 death of her father; many of her works touch on themes of grief and loss. Her work was noted for its colourful harmony and instrumentation and skillful text setting. Aspects of Fauré and Claude Debussy can be heard in her compositions, and Arthur Honegger was influenced by her innovative work.

She suffered from chronic illness, beginning with a case of bronchial pneumonia at age two that weakened her immune system, leading to the "intestinal tuberculosis" that ended her life at the age of 24. Although she loved to travel and completed several works in Italy after winning the Prix de Rome, her failing health forced her to return home, where she and her sister organised efforts to support French soldiers during World War I. Her last years were also a productive time musically as she laboured to complete works. Her death left the unfinished opera “La princesse Maleine” on which she had spent most of her last years.

また金曜日("私 の 手 だけ じゃ ない"の日..)!

今日のクリップは, 病気で24歳で亡くなった非常に特別な作曲家,

リリ・ブーランジェ (1893-1918)の「古い庭から」

パリ生まれの子供の天才として, 家族の友人であり, 後にブーランジャーの教師の一人であるガブリエルフォーレが完璧なピッチを持っていることを発見した時, ブーレンジャーの才能は歳で明らかになった. 彼女の母親, Raissa Myshetskaya (Mischetzky)は, 1835. 年にPrix deローマ賞を受賞したパリ音楽院の教師アーネストブーランジャー (1815-1900)と結婚したロシアの王女です. 彼女の父親は生まれた時, 77歳で, 彼女は彼にとても愛着を感じた. 彼女の祖父フレデリックブーランジャーは有名なチェリストで, 祖母ジュリエットは歌手だった.

ブーランジャーは歳の妹ナディアと一緒にパリ音楽院でクラスに行き, その後すぐに音楽理論の授業に座ってルイヴィエルンとオルガンを勉強しました. 彼女はピアノ, ヴァイオリン, チェロ, ハープも歌って弾いてました.

1912年, ブーランジャーはPrix de Romeで競ったが, パフォーマンス中に病気で倒れた. 彼女は1913歳で19歳で復帰し, カンタータファウストとヘレンの作曲賞を獲得し, 最初の女性になりました.

ナディアブーランジャーは, 回の失敗した試みの後, 彼女の努力を諦め, 妹と一緒に勉強した後, ポールヴィダル, ジョルジュコーサード, ガブリエルフォーレと一緒に勉強した. 最後は彼女の才能に大きな感銘を受け, 頻繁にもたらされました. 彼女が読むための曲. ブーランジャーは父親の1900人の死に大きな影響を受けました. 彼女の作品の多くは悲しみと喪失のテーマに触れています. 彼女の作品は, カラフルなハーモニーと器楽と器用なテキストの設定に注目されました. Fauréとクロードドビュッシーの側面は彼女の楽曲で聞くことができ, アーサーオネッガーは革新的な作品に影響を受けました.

慢性疾患を患い, 免疫システムを弱めた24. 歳で気管支肺炎の症例で, 24. 歳で生涯を終えた"腸 結核"につながる. 旅行が大好きでいくつかの作品を完成させた. イタリア, Prix de Romeを獲得した後, 健康に失敗した彼女は帰国させられ, 彼女と妹は第二次世界大戦中にフランス兵を支援するための努力を組織した 彼女の最後の年は, 音楽的に作品を完成させるために生産的な時間でもあった. 彼女の死は, 最後のほとんどを費やした未完成のオペラ"ラ プリンセス マレー ヌ"を残した.

リリ・ブーランジェ 「古い庭から」
 

12.Emilie Luise Friderica Mayer  エミリー・ルイーズ・フリデリカ・メイヤー (1812-1883)

Emilie Mayer’s Impromptu Op.44.

Emilie Luise Friderica Mayer (1812-1883) was a German composer of Romantic music. Emilie Mayer began her serious compositional study relatively late in life, yet she was a very prolific composer, producing some 8 symphonies and at least 15 concert overtures, plus numerous chamber works and lieder. She was the Associate Director of the Opera Academy in Berlin.

On August 28, 1840, her life took a sudden turn: Emilie Mayer's father fatally shot himself, 26 years to the day after he buried Emilie's mother. The following year, she moved to the regional capital city of Stettin (now Szczecin, Poland), and sought to study composition with Carl Loewe, a central figure of the musical life of the city. Author Marie Silling writes concerning this:

“The death of her father caused her first deep sorrow; in order to numb this pain, she buried herself in work. She went to Szczecin and became Loewe's student. After a challenging test he said in his crafty manner: "You actually know nothing and everything at the same time! I shall be the gardener who helps the talent that is still a bud resting within your chest to unfold and become the most beautiful flower!" Emilie always considered it important to be thrifty in her own life but was continually giving to the needs of others. When, for these reasons, she asked Löwe whether she could share the composition lessons with other female pupils, he answered: "such a God-given talent as hers had not been bestowed upon any other person he knew." This statement filled her with the greatest thankfulness throughout her whole life and obliged her to work extremely hard.”

In 1847, after the premiere of her first two symphonies (C minor and E minor) by the Stettin Instrumental Society, she moved to Berlin to continue her compositional studies. Once in Berlin, she studied fugue and double counterpoint with Adolph Bernhard Marx, and instrumentation with Wilhelm Wieprecht.

She began publishing her works (e.g. lieder and chants, op. 5-7, in 1848) and performing in private concerts. Then on April 21, 1850, Wieprecht led his "Euterpe" orchestra in a concert at the Royal Theatre exclusively presenting compositions by Emilie Mayer. With critical and popular acclaim, she continued composing works for public performance. She travelled to attend performances of her works, including to Cologne, Munich, Lyon, Brussels and Vienna.

Emilie Mayer was initially influenced by the Vienna classic style, whilst her later works were more Romantic. Mayer's harmonies are characterised by sudden shifts in tonality and the frequent use of seventh chords, with the diminished seventh allowing Mayer to reach a variety of resolutions. One defining characteristic of Mayer's music is a tendency to set up a tonal centre with a dominant seventh, but not resolving to the tonic immediately; sometimes, resolution is skipped altogether.

 

エミリーメイヤー 「即興曲 作品 44」

エミリー・ルイーズ・フレデリカ・メイヤー( 1812-1883)は人生で比較的晩年に本格的な作曲研究を始めましたが, 彼女は非常に多作な作曲家で, いくつかの交響曲と少なくとも15つのコンサートの序曲, そして多くの室内楽作品と曲を生み出しました. 彼女はベルリンのオペラアカデミーのアソシエイトディレクターでした.

1840年8月28日, 彼女の人生は突然変わった: エミリーメイヤーの父親は、エミリーの母親を埋葬してから26年後、致命的に自分を撃ちました。翌年、彼女は地方の首都であるシュテッティン(現在はポーランドのシュチェチン)に引っ越し、街の音楽生活の中心人物であるカールロエベと作曲を研究しようとしました。

著者マリー・シリングはこれに関してこう書いている:

「彼女の父親の死は彼女の最初の深い悲しみを引き起こしました。 この痛みを麻痺させるために、彼女は仕事に身を投じた。

  彼女はシュチェシンに行き, ローウェの生徒になった。挑戦的なテストの後、彼は巧妙な態度で言いました:「あなたは実際には何もすべてを同時に知りません!私はまだ胸の中で休んでいる芽である才能が展開して最も美しい花になるのを助ける庭師になります!」エミリーは常に自分の人生で繁栄することが重要だと思っていたが, 常に他人のニーズに応じていた。 これらの理由により、彼女は作曲のレッスンを他の女性の生徒と共有できるかどうかをロウェに尋ねたとき、彼は答えた:「彼女のような神から与えられた才能は、彼が知っている他の人に授けられていなかった」。 この発言は、生涯を通じて彼女に最大の感謝の気持ちを伝え、彼女に一生懸命働くことを義務付けました。」

1847年、ステッティン楽器協会による最初の2つの交響曲(ハ短調とホ短調)の初演の後、彼女は作曲研究を続けるためにベルリンに移りました。ベルリンに着くと、アドルフベルンハルトマルクスでフーガとダブルカウンターポイントを、ウィルヘルムウィプレヒトで計装を学びました。

彼女は自分の作品の出版(例:リーダーとチャント、作品5-7、1848年)とプライベートコンサートでの演奏を開始しました。その後、1850年4月21日、ウィエプレヒトはロイヤルシアターでのコンサートで彼の「エウテルペ」オーケストラを指揮し、エミリーメイヤーの作品のみを発表しました。彼女は批評的で人気の高い評価を得て、公演用の作品を作曲し続けました。彼女はケルン、ミュンヘン、リヨン、ブリュッセル、ウィーンを含む彼女の作品のパフォーマンスに出席するために旅行しました。

エミリーメイヤーは当初ウィーンのクラシックスタイルの影響を受けていましたが、その後の作品はよりロマンチックになりました。メイヤーのハーモニーは、調性の突然の変化とセブンスコードの頻繁な使用によって特徴付けられ、メイヤーがさまざまな解像度に到達できるようにセブンスが減少しました。メイヤーの音楽の特徴の1つは、ドミナント7でトーンセンターを設定する傾向がありますが、すぐにトニックに解決しない傾向があります。場合によっては、解決が完全にスキップされることがあります。

エミリーメイヤー 「即興曲 作品 44」

13.Teresa Carreño  テレサ・カレーニョ (1853-1917)

 

Teresa Carreño’s Berceuse (Le Sommeil De L’Enfant Op.35).

María Teresa Gertrudis de Jesús Carreño García (1853-1917) was a Venezuelan pianist, soprano, composer, and conductor. Over the course of her 54-year concert career, she became an internationally renowned virtuoso pianist and was often referred to as the "Valkyrie of the Piano". Carreño was an early adopter of the works of one of her students and friend, American composer and pianist Edward MacD...owell (1860–1908) and premiered several of his compositions across the globe. She also frequently performed the works of Norwegian composer and pianist Edvard Grieg (1843–1907). Carreño composed approximately 75 works for solo piano, voice and piano, choir and orchestra, and instrumental ensemble. Several composers dedicated their compositions to Carreño, including Amy Beach (Piano Concerto in C-sharp minor) and Edward MacDowell (Piano Concerto No.2).

A highly recommended and wonderful article on Carreño was published yesterday on Melanie Spanswick’s blog series “Pianists of the Past” by an authority on her music and wonderful pianist Clara Rodriguez:

https://melaniespanswick.com/…/pianists-from-the-past-tere…/

 

テレサ・カレーニョ 子守唄 (幼子の眠り 作品 35)

マリア・テレサ・カレーニョ・ガルシア・デ・セナ (1853-1917年)ははベネズエラの上流階級出身の女性ピアニスト声楽家作曲家指揮者。一般には、テレサ・カレーニョ (Teresa Carreño) として知られている。生前は世界的なピアニストとして、また当時の最も重要なピアニストとして名を残し、しばしば「ピアノの女帝」「ピアノのヴァルキューレ」とあだ名されていた。 

カレーニョは、学生であり友人であるアメリカ人作曲家であり、ピアニストでもあるエドワード・マクダウェル(1860–1908)の作品をいち早く取り入れ、世界中で彼の作曲のいくつかを初演しました。彼女はまた、ノルウェーの作曲家でピアニストのエドヴァルド・グリーグ(1843–1907)の作品も頻繁に演奏しました。カレーニョは、ソロピアノ、声とピアノ、合唱とオーケストラ、および楽器のアンサンブルのために約75の作品を構成しました。エイミー・ビーチ(ピアノ協奏曲ハ長調)やエドワード・マクダウェル(ピアノ協奏曲第2番)など、数人の作曲家がカレーニョに捧げた。 カレーニョに関する強く推奨されたすばらしい記事が、彼女の音楽の権威と素晴らしいピアニストのクララ・ロドリゲスによって、メラニースパンズウィックのブログシリーズ「過去のピアニスト」で昨日公開されました。

 

テレサ・カレーニョ 
子守唄 (幼子の眠り 作品 35)

14.Karen Tanaka  田中 カレン

 

Japanese composer Karen Tanaka’s Northern Light (2002).

Karen Tanaka (1961- ) was born in Tokyo where she started piano and composition lessons as a child. After studying composition with Akira Miyoshi and piano with Nobuko Amada at Toho Gakuen School of Music in Tokyo, she moved to Paris in 1986 with the aid of a French Government Scholarship to study with Tristan Murail and work at IRCAM as an intern. In 1987, she was awarded the Gaudeamus International Composers Award at the International Music Week in Amsterdam. She studied with Luciano Berio in Florence in 1990–91 with funds from the Nadia Boulanger Foundation and a Japanese Government Scholarship. In 1996, she received the Margaret Lee Crofts Fellowship at the Tanglewood Music Center. In 1998 she was appointed as Co-Artistic Director of the Yatsugatake Kogen Music Festival, previously directed by Toru Takemitsu. In 2005 she was awarded the Bekku Prize.

In 2012, Tanaka was selected as a fellow of the Sundance Institute’s Composers Lab for Feature Film where she was mentored by Hollywood's leading composers. In 2016, she served as an orchestrator for the BBC's TV series, Planet Earth II. She has scored numerous short films, animations, and documentaries. Sister, one of the animated films she scored, was selected for prestigious film festivals including Sundance, Annecy, Ottawa, and nominated for the 92nd Academy Awards for Best Animated Short Film in January 2020.

Her works have been performed by distinguished ensembles and orchestras worldwide, including the BBC Symphony Orchestra, Los Angeles Philharmonic, Baltimore Symphony Orchestra, Berkeley Symphony Orchestra, Netherlands Radio Symphony Orchestra, Norwegian Chamber Orchestra, NHK Symphony Orchestra in Tokyo, Orchestre Philharmonique de Radio France, Brodsky Quartet, BIT20 Ensemble, Gothic Voices, Anúna, among many others. Various dance companies, including the Nederlands Dans Theater, have also featured her music.

Her love of nature and concern for the environment has influenced many of her works, including Questions of Nature, Frozen Horizon, Water and Stone, Dreamscape, Ocean, Silent Ocean, Tales of Trees, Water Dance, Crystalline series, and Children of Light.

Tanaka taught composition at the University of California, Santa Barbara, and the University of Michigan, Ann Arbor. Her music is published by Chester Music in London (Wise Music Group), Schott Music New York (PSNY), ABRSM in the UK and Editions Bim in Switzerland. She lives in Los Angeles and teaches composition at California Institute of the Arts.

日本の作曲家、田中カレン  オーロラ(2002)

 

田中カレン(1961-)は、東京で生まれ、子供の頃にピアノと作曲のレッスンを始めました。東京の桐朋学園大学で作曲を三善晃、ピアノを雨田信子に師事。1​​986年にフランス政府の奨学金を受けてパリに移り、トリスタン・ミュライユに学び、インターンとしてIRCAM(フランス国立音響音楽研究所)に勤務しました。 1987年、アムステルダムのインターナショナルミュージックウィークでガウデアマスインターナショナルコンポーザーズアワードを受賞。1990〜91年、文化庁海外派遣研修員、ナディア・ブーランジェ奨学生としてフィレンツェで研修、ルチアーノ・ベリオに師事しました。 1996年、タングルウッドミュージックセンターでマーガレットリークロフツフェローシップを受賞。 1998年に武満徹氏が監督を務める八ヶ岳高原音楽祭の共演ディレクターに就任。 2005年にベック賞を受賞。 2012年、サンダンスインスティテュートの長編映画コンポーザーズラボのフェローに選ばれ、ハリウッドの主要な作曲家から指導を受けました。 2016年には、BBCのTVシリーズ、Planet Earth IIのオーケストレーターを務めました。彼女は数多くの短編映画、アニメーション、ドキュメンタリーを獲得しています。彼女が音楽を担当したアニメーション映画の1つである「シスター」は、サンダンス、アヌシー、オタワなどの有名な映画祭に選ばれ、2020年1月に第92回アカデミー賞最優秀アニメーションショートフィルムにノミネートされました。 彼女の作品は、BBC交響楽団、ロサンゼルスフィルハーモニー、ボルチモア交響楽団、バークレー交響楽団、オランダラジオ交響楽団、ノルウェー室内管弦楽団、東京NHK交響楽団、オーケストラフィルハーモニードラジオフランスなど、世界中の著名なアンサンブルとオーケストラによって演奏されています。 、Brodsky Quartet、BIT20 Ensemble、Gothic Voices、Anúnaなど。 Nederlands Dans Theaterを含むさまざまなダンスカンパニーも彼女の作品を取り上げています。 彼女の自然への愛情と環境への関心は、自然の問題、凍った地平線、水と石、ドリームスケープ、オーシャン、サイレントオーシャン、テイルズオブツリー、ウォーターダンス、クリスタルシリーズ、光の子供たちなど、彼女の作品の多くに影響を与えています。 田中はカリフォルニア大学サンタバーバラ校とミシガン大学アナーバー校で作曲を教えました。彼女の音楽はロンドンのチェスターミュージック(ワイズミュージックグループ)、ショットミュージックニューヨーク(PSNY)、イギリスのABRSM、スイスのエディションビムから出版されています。彼女はロサンゼルスに住んでおり、カリフォルニア芸術大学で作曲を教えています。

田中カレン オーロラ(2002)

15.Melanie Spanswick メラニー・スパンズウィック

 

Featured already in #2 of the series and heavily instrumental in creating this series, here is British composer 

Melanie Spanswick’s “Dancing Through the Daffodils” from “No Words Necessary”.

“No Words Necessary” (Schott Music) is a collection of 12 intermediate pieces - they range from about Grade 3-6.

“Dancing Through The Daffodils was written at the piano at my home, and began as an improvisation around a group of chords in D major. The relentless pulse provides an energy which reminds me of a child dancing energetically through fields of bright yellow daffodils.”

Her Music is published from

Schott Music

. More info on her illustrious career: www.melaniespanswick.com

すでにシリーズの第2回で紹介されており、このシリーズの作成に大きく貢献している、英国の作曲家メラニー・スパンズウィックの「No Words Necessary(言葉はいらない)」より「Dance Through the Daffodils(水仙のダンス)」を紹介します。

 

「No Words Necessary(言葉はいらない)」(ショットミュージック)は12の小曲を集めたもので、グレード3〜6程度です。

 

「水仙のダンスは私の家のピアノで書かれ、ニ長調のコードのグループを中心とした即興演奏として始まりました。とりとめのない脈動は、明るい黄色の水仙の野原を精力的に踊っている子供を思い出させるエネルギーを想像させます。」

彼女の音楽はショット・ミュージックから出版されています。

彼女の輝かしい経歴の詳細:www.melaniespanswick.com

メラニー・スパンズウィック「水仙のダンス」
 

16.Fanny Mendelssohn ファニー・メンデルスゾン(1805-1847)

Fanny Mendelssohn’s “Four Songs for the Piano” (Vier Lieder für das Pianoforte) Op.2 No.3.

Fanny Mendelssohn (1805-1847), later Fanny Mendelssohn Bartholdy and, after her marriage, Fanny Hensel, was a German composer and pianist from the Romantic era. She grew up in Berlin, Germany, and received a thorough musical education from teachers including her mother, Ludwig Berger, and Carl Friedrich Zelter. Her brother Felix Mendelssohn, also a composer and pianist, shared the same education and the two developed a close relationship. At one point, Zelter favoured Fanny over Felix: he wrote to Goethe in 1816, in a letter introducing Abraham Mendelssohn to the poet, "He has adorable children and his oldest daughter could give you something of Sebastian Bach. This child is really something special." Both Mendelssohn and her brother Felix received instruction in composition from Zelter starting in 1819. In 1820, they joined the Sing-Akademie zu Berlin, which was then being led by Zelter. Much later, in an 1831 letter to Goethe, Zelter described Fanny's skill as a pianist with the highest praise for a woman at the time: "She plays like a man."

Due to the reservations of her family, and to social conventions of the time about the roles of women, a number of her works were published under her brother's name in his Opus 8 and 9 collections. In the words of the music historian Kristine Forney, in this period "social assumptions about women long discouraged them from composing (and limited their public performances)". Such attitudes were shared by Mendelssohn's father, who was tolerant, rather than supportive, of her activities as a composer. In 1820, he wrote to her, "Music will perhaps become his [i.e. Felix's] profession, while for you it can and must be only an ornament". Although Felix was privately broadly supportive of her as a composer and a performer, he was cautious (professedly for family reasons) of her publishing her works under her own name.

The music historian Angela Mace Christian has written that Fanny Mendelssohn "struggled her entire life with the conflicting impulses of authorship versus the social expectations for her high-class status[...]; her hesitation was variously a result of her dutiful attitude towards her father, her intense relationship with her brother, and her awareness of contemporary social thought on women in the public sphere." Felix's friend Henry Chorley wrote of Fanny: "Had Madame Hensel been a poor man's daughter, she must have become known to the world by the side of Madame Schumann and Madame Pleyel as a female pianist of the highest class", suggesting that her social class was limiting for her career as well as her sex.

In 1829, she married the artist Wilhelm Hensel and, in 1820, the two had their only child, Sebastian Hensel. In 1846, despite the continuing ambivalence of her family towards her musical ambitions, Fanny Hensel published a collection of songs as her Opus 1. The next year, she suddenly died of a stroke at the age of 42.

She composed over 460 pieces of music, including a piano trio, a piano quartet, an orchestral overture, four cantatas, over 125 pieces for the piano, and over 250 lieder, most of which went unpublished in her lifetime. Since the 1990s her life and works have been the subject of more detailed research. Her “Easter Sonata” was inaccurately credited to her brother in 1970, before analysis of new documents in 2010 corrected the error.

ファニーメンデルスゾーン 「ピアノのための4つの歌」(Vier Liederfürdas Pianoforte)Op.2 No.3。

ファニー・メンデルスゾーン(1805-1847)、後にファニー・メンデルスゾーン・バルトルディ、そして彼女の結婚後、ファニー・ヘンゼルは、ロマン派時代からドイツの作曲家およびピアニストでした。彼女はドイツのベルリンで育ち、母親であるルートヴィヒベルガーやカールフリードリヒゼルターなどの教師から徹底的な音楽教育を受けました。作曲家でありピアニストでもある彼女の兄弟フェリックスメンデルスゾーンは、同じ教育を共有し、2人は密接な関係を築きました。ある時点で、ゼルターはフェリックスよりもファニーを支持しました。彼は1816年にゲーテに詩を紹介した手紙で、「彼には愛らしい子供がいて、彼の長女はセバスチャンバッハの何かを与えることができました。この子供は本当に特別なものです。 」メンデルスゾーンと彼女の兄弟のフェリックスは両方とも1819年にゼルターから作曲の指導を受けました。1820年、彼らはツェルター主導のシンガデミーズベルリンに参加しました。はるか後の1831年のゲーテへの手紙で、ゼルターはファニーの技能を当時の女性への最高の称賛を持つピアニストとして説明しました。「彼女は男性のように演奏します」。 彼女の家族の留保、および女性の役割に関する当時の社会的慣習のために、彼女の作品の多くは、彼のOpus 8および9コレクションで彼女の兄弟の名前で出版されました。音楽史家のクリスティン・フォーニーの言葉によれば、この時期、「女性についての社会的前提のために、長い間、女性は作曲することを思いとどまらせた(そして公演を制限した)」。そのような態度は、作曲家としての彼女の活動を支持するのではなく寛容であったメンデルスゾーンの父親によって共有されました。 1820年、彼は彼女に「音楽はおそらく彼の[つまりフェリックスの]職業になるだろうが、あなたにとってはそれは単なる飾りであるに違いない」と書いた。フェリックスは個人的には作曲家およびパフォーマーとして彼女を広く支持していたが、彼は自分の名前で彼女の作品を出版することに(家族の理由から)慎重になっていた。

音楽史家のアンジェラ・メイス・クリスチャンは、ファニー・メンデルスゾーンが「作家権の相反する衝動と一流の地位への社会的期待で彼女の人生全体を苦労させた...」と書いている。父親、彼女の兄との強い関係、そして公共の場での女性に対する現代の社会的思考への彼女の認識」フェリックスの友人であるヘンリーチョーリーはファニーについて次のように書いています。彼女のキャリアと彼女のセックスを制限していました。 1829年に彼女はアーティストのヴィルヘルムヘンゼルと結婚し、1820年に2人にはセバスチャンヘンゼルという一人っ子が生まれました。ファニーヘンゼルは、1846年、家族の音楽的野心に対する相反するあいまいさにもかかわらず、曲のコレクションをオーパス1として発表しました。翌年、彼女は42歳で脳卒中で突然亡くなりました。 彼女は、ピアノ三重奏、ピアノ四重奏、オーケストラ序曲、4つのカンタータ、ピアノのための125曲以上、250曲以上のリーダーを含む、460曲以上の音楽を作曲しました。 1990年代以降、彼女の人生と作品はより詳細な研究の対象となっています。彼女の「イースターソナタ」は、2010年に新しいドキュメントを分析してエラーを修正する前に、1970年に彼女の兄弟に不正確にクレジットされました。

ファニーメンデルスゾーン 
「ピアノのための4つの歌」作品2 No.3

17.Margaret Bond マーガレット・ボンド(1913-1972)

 

Margaret Bonds’ “Troubled Water” (shortened arrangement by K. Coker).

Margaret Allison Bonds (1913-1972) was an American composer and pianist. One of the first black composers and performers to gain recognition in the US, she is best remembered today for her frequent collaborations with Langston Hughes.

A native of Chicago, Bonds grew up in a home visited by many of the leading black intellectuals of the era; among houseguests were soprano Abbie Mitchell and composers Florence Price (with whom she studied and featured in #4 of this series) and Will Marion Cook. Bonds showed an early aptitude for composition, writing her first work, “Marquette Street Blues”, at the age of 5.

Upon her high school graduation, Bonds became one of the few black students at Northwestern University. Her song "Sea-Ghost" won a Wanamaker Award in 1932; two years later, at the age of 21, she left Northwestern with a Bachelor’s and Master’s degree, both in music. She appeared in 1933 with the Chicago Symphony Orchestra and performed Florence Price's piano concerto with the Women's Symphony Orchestra of Chicago the following year. In 1939, she moved to New York City; there, she edited music for a living and collaborated on several popular songs. That same year, an adaptation of "Peach Tree Street" appeared in “Gone With the Wind”. In 1940, Bonds married a probation officer named Lawrence Richardson; the couple later had a daughter.

While living in New York, Bonds began further study in piano and composition at

The Juilliard School

; she also began to study composition privately with Roy Harris and Emerson Harper. She also attempted to gain lessons with #NadiaBoulanger, who upon looking at her work said that she needed no further study and refused to teach her. The work that Bonds showed Boulanger was “The Negro Speaks of Rivers”, a setting for voice and piano of a poem by Langston Hughes. Hughes and Bonds were great friends, and she set much of his work to music. She also formed the Margaret Bonds Chamber Society, a group of black musicians which performed mainly the work of black classical composers. Bonds lived in Harlem, and worked on many music projects in the neighborhood. She helped to establish a Cultural Community Center, and served as the minister of music at a church in the area.

In 1965, at the time of the #FreedomMarch on #Montgomery, Alabama, Bonds wrote “Montgomery Variations for orchestra”, dedicating it to #MartinLutherKingJr. Two years later, she moved to Los Angeles, teaching music at the Los Angeles Inner City Institute and at the Inner City Cultural Center. Zubin Mehta and the Los Angeles Philharmonic premiered her “Credo for chorus and orchestra” in 1972; Bonds died unexpectedly a few months later, shortly after her 59th birthday.

Her music combines elements of various black musical traditions, such as jazz, blues, calypso, and spirituals.

An excellent article on Bonds and the complete performance of “Troubled Water” by Samantha Ege can be found here:

https://melaniespanswick.com/tag/samantha-ege/

マーガレット・ボンド トラブルド・ウォーター​(K.クッカーによる短縮版)

マーガレット・アリソン・ボンド(1913-1972)はアメリカの作曲家であり、ピアニストでした。アメリカで最初に黒人の作曲家やパフォーマーとして認められた彼女は、ラングストンヒューズとの頻繁なコラボレーションで今日最もよく覚えています。 ボンズはシカゴ出身で、当時の主要な黒人知識人の多くが訪れた家で育ちました。ハウスゲストの中には、ソプラノのアビーミッチェルと作曲家のフローレンスプライス(このシリーズで彼女が研究し、このシリーズの#4で取り上げた)とウィルマリオンクックがいました。 Bondsは5歳のときに彼女の最初の作品「Marquette Street Blues」を書いて、作曲の初期の適性を示しました。 高校を卒業すると、ボンドはノースウエスタン大学で数少ない黒人学生の1人になりました。彼女の曲「Sea-Ghost」は1932年にワナメーカー賞を受賞しました。 2年後、21歳で音楽の学士号と修士号を取得し、ノースウェスタンを離れました。彼女は1933年にシカゴ交響楽団に出演し、翌年にはシカゴ女子交響楽団とフローレンスプライスのピアノ協奏曲を演奏しました。 1939年、彼女はニューヨーク市に引っ越しました。そこで彼女は生計を立てるために音楽を編集し、いくつかの人気のある曲でコラボレーションしました。同じ年、「ピーチツリーストリート」の改作が「風と共に去りぬ」に登場しました。 1940年に、ボンドはローレンスリチャードソンという保護観察官と結婚しました。夫婦には後に娘がいました。

ニューヨークに住んでいる間、ボンズはピアノと作曲の勉強を始めました。 ジュリアード学院 ;彼女はまたロイ・ハリスとエマーソン・ハーパーと個人的に作曲を勉強し始めました。彼女はまた、#NadiaBoulangerを使ってレッスンを得ようとしました。#NadiaBoulangerは、彼女の作品を見て、それ以上の勉強は必要ないと彼女に教えることを拒否しました。ボンズがブーランガーに示した作品は、ラングストン・ヒューズの詩の声とピアノのための舞台「川の黒人のスピーク」でした。ヒューズとボンズは素晴らしい友人であり、彼女は彼の作品の多くを音楽に設定しました。彼女はまた、主に黒人のクラシック作曲家の作品を演奏する黒人ミュージシャンのグループであるマーガレットボンズチェンバーソサエティを結成しました。ボンズはハーレムに住んでいて、近所の多くの音楽プロジェクトに取り組みました。彼女は文化コミュニティセンターの設立を手伝い、地域の教会で音楽大臣を務めました。 1965年、アラバマ州モンゴメリーの#FreedomMarchの時に、ボンズは「オーケストラのためのモンゴメリー変奏曲」を書き、それを#MartinLutherKingJrに捧げました。 2年後、彼女はロサンゼルスに移り、ロサンゼルスインナーシティインスティテュートとインナーシティカルチュラルセンターで音楽を教えました。ズビンメータとロサンゼルスフィルハーモニーは、1972年に彼女の「合唱とオーケストラのクレド」を初演しました。 Bondsは、彼女の59歳の誕生日の直後、数か月後に突然死にました。 彼女の音楽は、ジャズ、ブルース、カリプソ、スピリチュアルなど、さまざまな黒い音楽の伝統の要素を組み合わせています。 Bondsとサマンサエゲによる「Troubled Water」の完全なパフォーマンスに関する優れた記事は、次の場所にあります。

マーガレット・ボンド トラブルド・ウォーター​(
        K.クッカーによる短縮版)
 

18.Sally Wave サリー・ウェーブ(1913-1972)

Bulgarian pianist and composer Sally Wave’s “Lost” (“Verloren”- 2020).

 

This is the theme ‘Dialogue with yourself’ and 1st variation ‘Let It Flow’. There are 10 variations in total.

She says:

“I have greatly enjoyed developing the variations on this theme, a sad lonely dialogue with oneself, and then transforming this sorrow in many different ways…as life often does to us..”

A cycle written this year in a more informal mode by Sally is "The Yellow Emoji- 9 pieces for children" op.21.

Her music is published at www.sheetmusicplus.com and can be downloaded from there.

Sally studied in Germany at the Liszt Hochschule für Musik and at Music Academy in Bulgaria (Master degree and PhD). She is based in London and performs as a solo pianist and chamber musician in Europe and the US. She is the founder of the London Youth Piano Competition in Wimbledon.

https://www.facebook.com/Sally.wave.londoncompetitionLYPCO/

For more info please visit www.sallywave.com.

The full performance by the composer can be heard here: https://youtu.be/GhBJrmwvypU

#femalecomposers #womeninmusic #Bulgariancomposer #Bulgarianfemalecomposer #sallywave #lost #verloren #variations #pianomusic #londonyouthpianocompetition

https://m.facebook.com/sally.wave.piano/

ブルガリアのピアニストで作曲家の サリー・ウェーブの「Lost」

 

(「Verloren」-2020)。これは「自分との対話」と第1バリエーションの「レットイットフロー」のテーマです。全部で10バリエーションあります。 彼女が言います: 「私はこのテーマのバリエーション、自分との悲しい孤独な対話、そしてこの悲しみをさまざまな方法で変えることをとても楽しんでいます。 今年サリーがより非公式な方法で書いたサイクルは、「黄色の絵文字-子供のための9ピース」op.21です。 彼女の音楽はwww.sheetmusicplus.comで公開されており、そこからダウンロードできます。 サリーはドイツのリストホッホシューレフュルミュージックおよびブルガリアの音楽アカデミーで修士号と博士号を取得しています。彼女はロンドンに拠点を置き、ヨーロッパとアメリカでソロのピアニストおよび室内楽家として演奏しています。彼女はウィンブルドンのロンドン青少年ピアノコンクールの創設者です。 https://www.facebook.com/Sally.wave.londoncompetitionLYPCO/ 詳細については、www.sallywave.comをご覧ください。 作曲家による完全なパフォーマンスはここで聞くことができます:https://youtu.be/GhBJrmwvypU

サリー・ウェーブ  「Lost」
 

19.Henriette Renié アンリエット・ル二エ(1875-1956)

It’s week 4! And on it goes

Today’s clip is ‘Conte de Noel’ (Christmas Tale) from “Six Pièces Brèves” by French harpist and composer Henriette Renié (1875-1956). The piece is originally written for harp. She is known for her many original compositions and transcriptions, as well as codifying a method for harp that is still used today. She was a musical prodigy who excelled in harp performance from a young age, advancing through her training rapidly and receiving several prestigious awards in her youth. She was an exceptional instructor and contributed to the success of many students. She gained prominence as a woman in an era where fame was socially unacceptable for women. Her devotion to her religion, her family, her students, and her music has continued to influence and inspire musicians for decades.

Her Life Story (Briefly)

Before the age of five, Henriette played piano with her grandmother. Renié was inspired to learn the harp after she heard her father perform a concert in Nice featuring Alphonse Hasselmans, a prominent harpist. She became inspired by the music and she decided that she wanted to play the harp under the instruction of Hasselmans.

In 1885, she became a regular student at the Paris Conservatoire. At ten, she won the second prize in harp performance. By age eleven, she won the Premier Prix. Her performance at the concours is largely regarded as one of the greatest performances in the history of the Conservatoire. At a young age, she began performing for many prominent figures such as Queen Henriette of Belgium, Princess Mathilde, and the Emperor of Brazil. At age twelve and following her success at the Conservatoire, students from all over Paris began seeking her out for lessons, many of them more than twice her age.

In 1901, Renié completed the Concerto in C minor that she had begun composing while at the Conservatoire. On the advice of her professor Theodore Dubois, she showed it to Camille Chevillard, who scheduled it for several concerts. She made strides in the world of women in music during these concerts as she received the first applause directed towards a women for both her performance and composition. These concerts established Renié, not only as a virtuoso, but as a composer, and helped establish the harp as a solo instrument, inspiring other composers such as Gabriel Pierné, Claude Debussy, and Maurice Ravel to write for harp.

During World War I, Renié survived by giving lessons, and gave charity concerts almost nightly, going to a fund called the "Petite Caisse des Artists" that gave immediately and anonymously to artists in need, even when a battle was being fought 90 kilometers from Paris and Big Bertha was bombarding the city. After the war, Arturo Toscanini offered Renié a contract, which she declined because her mother's health was failing. In 1922, she was recommended for the Legion of Honour, but she was rejected for her religious beliefs. She finally received the honour in 1954 (age 77), just before her death in 1956 in Paris, France.

4週目です。そしてそれは続きます。 今日のクリップは、フランスのハープ奏者で作曲家のアンリエット・ルニエ(1875-1956)による「6つの小品」から「Conte de Noel」(クリスマス物語)です。作品はもともとハープのために書かれています。彼女は多くのオリジナルの作曲や文字起こし、そして今日でも使用されているハープの方法を体系化したことで知られています。幼い頃からハープ演奏に秀でた音楽的才能を持ち、急速にトレーニングを進め、若さの中で名誉ある賞をいくつか受賞しました。彼女は非常に優れたインストラクターであり、多くの学生の成功に貢献しました。彼女は名声が社会的に女性に受け入れられない時代に女性としての名声を獲得しました。彼女の宗教、家族、生徒、音楽への献身は、何十年もの間ミュージシャンに影響を与え、刺激を与え続けてきました。 彼女のライフストーリー(簡単) 5歳になる前、アンリエットは祖母とピアノを弾きました。ニースで父親が著名なハープ奏者であるアルフォンスハッセルマンをフィーチャーしたコンサートを演奏するのを聞いた後、レニエはハープを学ぶようになりました。彼女は音楽に触発され、ハッセルマンの指導の下でハープを演奏したいと思いました。 1885年、彼女はパリ音楽院の正規学生になった。 10歳のときにハープパフォーマンスで2位を獲得しました。 11歳までに、彼女はプレミア賞を獲得しました。コンクールでの彼女のパフォーマンスは、コンセルヴァトワールの歴史の中で最も優れたパフォーマンスの1つと見なされています。若い頃、彼女はベルギーのアンリエット女王、マチルド王女、ブラジルの皇帝など多くの著名な人物のために演奏を始めました。

12歳のとき、コンセルヴァトワールでの彼女の成功に続き、パリ各地からの学生がレッスンに彼女を探し始めました。彼らの多くは彼女の年齢の2倍以上です。 1901年に、レニエはコンセルヴァトワールで作曲を始めた協奏曲ハ短調を完成させました。彼女のセオドアデュボア教授の助言に基づいて、彼女はそれをカミーユシェビジャールに見せました。彼女の演奏と作曲の両方で女性に向けられた最初の拍手を受けたとき、彼女はこれらのコンサート中に音楽の世界で女性の進歩を遂げました。これらのコンサートは、名手としてだけでなく作曲家としてもレニエを確立し、ハープをソロ楽器として確立するのに役立ち、ガブリエルピエール、クロードドビュッシー、モーリスラヴェルなどの他の作曲家にハープの作曲を促しました。 第一次世界大戦中、レニエはレッスンを終えて生き残り、ほぼ毎晩チャリティーコンサートを行い、「プチカイセデアーティスト」と呼ばれる基金に寄付しました。パリとビッグベルタが街を砲撃していました。戦後、アルトゥーロトスカニーニはレニエに契約を申し渡しましたが、母親の健康状態が悪かったため拒否しました。 1922年に、彼女はレジオンオブオナーに推薦されましたが、彼女の宗教的信念のために拒否されました。彼女は1954年(77歳)にようやく1956年にフランスのパリで死去する直前に栄誉を受けました。

アンリエット・ルニエ  クリスマス物語 「6つの小品」より
 

20.Vítězslava Kaprálová ヴィーチェスラヴァ・カプラーロヴァ(1915-1940)

Czech composer and conductor Vítězslava Kaprálová (1915-1940)’s “April Preludes” Op.13-3.

Though she died at the age of 25, she created an impressive body of work. Rafael Kubelik and Rudolf Firkušný (the dedicatee of the Preludes) were among the admirers of her music.

Vítězslava Kaprálová was born in Brno, Austro-Hungarian Empire (now Czech Republic), a daughter of composer Václav Kaprál and singer Viktorie Kaprálová. From 1930-1935 she studied composition with Vilém Petrželka and conducting with Zdeněk Chalabala at the Brno Conservatory. She continued her musical education with Vítězslav Novák (1935–37) and Václav Talich (1935–36) in Prague and with Bohuslav Martinů, Charles Munch (1937–39) and, according to some unverified accounts, with Nadia Boulanger (1940) in Paris. In 1937, she conducted the Czech Philharmonic and a year later the BBC Orchestra in her composition “Military Sinfoniett. Her husband was the Czech writer Jiří Mucha, whom she married two months before she died. Despite her untimely death, from what was misdiagnosed as miliary tuberculosis in Montpellier, France at the age of 25, Kaprálová created an impressive body of work. Her music was admired by Rafael Kubelík, who premiered her orchestral song “Waving Farewell” and also conducted her other orchestral works. Among the many interpreters of her piano music was pianist Rudolf Firkušný, for whom Kaprálová composed her best known piano work Dubnová preludia (April Preludes). In 1946, in appreciation of her distinctive contribution, the foremost academic institution in the country - the Czech Academy of Sciences and the Arts - awarded Kaprálová membership in memoriam. By 1948, this honour was bestowed on only 10 women, out of 648 members of the Academy.

The only English biography of the composer was published in 2011 by Lexington Books in the United States. The book also includes a complete, annotated catalog of her works. Kaprálová was "Composer of the Week" on BBC Radio 3 from Monday 12th Oct to Fri 16th Oct 2015, a set of five one-hour programs playing her music and discussing her life.

Kaprálová's catalogue includes her highly regarded art songs and music for piano solo, a string quartet, a reed trio, music for cello, music for violin and piano, an orchestral cantata, two piano concertos, two orchestral suites, a sinfonietta, and a concertino for clarinet, violin, and orchestra. Much of her music was published during her lifetime and continues to be published today by various publishing houses, including Bärenreiter Verlag. In addition, her music has been released on record and compact disc by a variety of labels, including Naxos, Koch Records, Albany Records, Centaur Records, Delos Productions, Gramola and Supraphon.

Since 1998, Kapralova's legacy has been promoted by the Kapralova Society, a non-profit arts organization based in Toronto, Canada. It publishes the Kapralova Society Journal, "a journal of women in music".

The April Preludes can be heard in its entirety performed here by pianist Virginia Eskin. https://youtu.be/09wcAv1umG8

チェコの作曲家であり指揮者のヴィ​​ーツスラバ/カプラ-ロヴァ(1915-1940)の「4月の前奏曲」作品13〜3。彼女は25歳で亡くなりましたが、印象的な一連の作品を作成しました。ラファエル・クベリクとルドルフ・フィルクーシュニ(プレリュードの専任者)は彼女の音楽のファンでした。 VítězslavaKaprálováは、作曲家VáclavKaprálと歌手ViktorieKaprálováの娘、オーストリアハンガリー帝国(現在はチェコ共和国)のブルノで生まれました。 1930年から1935年まで、彼女はビレムペトルセルカと作曲を学び、ブルノ音楽院でズデニクチャラバラと指揮しました。彼女は、プラハのヴィーツラフノヴァーク(1935–37)とヴァーツラフタリッヒ(1935–36)、ボフスラフマルティヌ、チャールズムンク(1937–39)と、いくつかの未検証のアカウントによると、ナディアブーランジェ(1940)パリ。 1937年に彼女はチェコフィルハーモニー管弦楽団を指揮し、その1年後にBBCオーケストラの作曲「Military Sinfoniett。彼女の夫はチェコ人の作家イジー・ムチャで、彼女は亡くなる2か月前に結婚しました。彼女の早すぎる死にもかかわらず、25歳のときにフランスのモンペリエで粟粒結核と誤診されたことから、Kaprálováは印象的な一連の作品を作成しました。彼女の音楽は、彼女のオーケストラ曲「Waving Farewell」を初演し、他のオーケストラ作品も指揮したラファエルクベリクに賞賛されました。彼女のピアノ音楽の多くの通訳の中には、ピアニストのルドルフフィルクーシュニがいて、カプラロヴァは彼女の最も有名なピアノ作品Dubnovápreludia(4月のプレリュード)を作曲しました。 1946年、彼女の際立った貢献に感謝し、国内で最も優れた学術機関-チェコ科学芸術アカデミー-は、記念碑のカプラロヴァ会員に選ばれました。 1948年までに、この栄誉は、アカデミーの648人のメンバーのうち、わずか10人の女性に授与されました。

作曲家の唯一の英語の伝記は、2011年に米国のLexington Booksによって発行されました。この本には、彼女の作品の完全な注釈付きカタログも含まれています。カプラロヴァは、BBCラジオ3で2015年10月12日(月)から10月16日(金)まで「今週の作曲家」でした。5つの1時間のプログラムで、彼女の音楽を演奏し、彼女の人生について話し合っています。 カプラロヴァのカタログには、ピアノソロ、弦楽四重奏、リードトリオ、チェロ、ヴァイオリンとピアノのための音楽、オーケストラカンタータ、2つのピアノ協奏曲、2つのオーケストラスイート、シンフォニエッタ、コンチェルティーノのために高く評価されたアートソングと音楽が含まれています。クラリネット、バイオリン、オーケストラのために。彼女の音楽の多くは生前に出版され、現在もベーレンライターヴェラーグなどのさまざまな出版社から出版されています。さらに、彼女の音楽は、ナクソス、コッホレコード、アルバニーレコード、セントールレコード、デロスプロダクションズ、グラモラ、スープラフォンなど、さまざまなレーベルからレコードおよびコンパクトディスクでリリースされています。 1998年以来、Kapralovaの遺産は、カナダのトロントに拠点を置く非営利の芸術団体であるKapralova Societyによって推進されてきました。 Kapralova Society Journal、「音楽における女性のジャーナル」を発行しています。 4月のプレリュードの全体は、ピアニストバージニアエスキンが演奏します。 https://youtu.be/09wcAv1umG8

ヴィ​​ーツスラヴァ・カプラ-ロヴァ
「4月の前奏曲」作品13ー3
 

21.Samantha Ward サマンサ・ウォード

British pianist, composer and Artistic Director of Piano Week, Samantha Ward

(and dear friend )’s “Tango for Em” (dedicated to Emily Pearl) from “Relax with Meditative Piano” published from Schott Music

She says: “I wrote the piece for my dear friend Emily Campbell who is a fine pianist and was thrilled it could be published by Schott Music London - shop

in the 'Relax with meditative piano' book.”

The music can be purchased here: https://en.schott-music.com/shop/relax-with-meditative-piano-no385024.html?___SID=U

The Online edition of PIANO WEEK will be held 25-30 July 2020: https://pianoweek.com/online

One of the leading British pianists of her generation,

Samantha Ward

has performed extensively around the UK, China, Japan, Germany, Italy, France, Greece and Macau, appearing on national television and radio numerous times. She made her solo London debut at the Wigmore Hall in 2007 and has performed in major venues such as St Martin-in-the-Fields, St John's Smith Square, Manchester's Bridgewater Hall, St David's Hall in Cardiff and Tokyo’s Toppan Hall. She has won first prize in a number of competitions, starting in 2004 when she won the Making Music Philip and Dorothy Green Award for Young Concert Artists. She has also won the Beethoven Society of Europe's Intercollegiate Piano Competition, The Hastings International Concerto Competition as well as the Sir Philip Ledger Prize for the best Mozart or Beethoven Concerto and the Worshipful Company of Musicians' Maisie Lewis Young Concert Artists Fund Award.

In August 2013, Samantha founded PIANO WEEK her international festival and summer school for pianists of all ages and abilities. At PIANO WEEK 2015, 2016, 2017 and 2018, Samantha joined forces to close the festival with one of the most distinguished pianists in the world, Stephen Kovacevich, performing works for two pianos by Rachmaninoff and Debussy. In August this year, she performed alongside internationally acclaimed Australian pianist Leslie Howard, as well as with her husband, fellow pianist and co-director of

PIANO WEEK

,

Maciej Raginia

, performing works for two pianos/six hands by Percy Grainger. In 2020, the festival continues to tour internationally alongside its UK residencies, having been invited to China, Italy and Japan. PIANO WEEK is supported by

G. Henle Verlag

and Schott Music publishers and 2020 marks the start of a media partnership with

Pianist

. As of 2017, PIANO WEEK began a collaboration with

Steinway & Sons

Asia Pacific, followed by

Steinway & Sons UK

from 2018 onwards. In 2018 and 2019, the festival was invited to give showcase concerts and master classes at Steinway Hall in Beijing, Tokyo and London.

Aside from her performing career, Samantha is also a recording artist and author for Schott Music publishers, frequently recording both solo and duet albums for them and currently completing a series of six ‘Relax with’ anthologies for pianists. 2019 saw the release of her album with SOMM recordings, of two of Dora Bright’s works for piano and orchestra with the Royal Liverpool Philharmonic Orchestra under Charles Peebles to great critical acclaim. She has also recently recorded an album of the complete piano works of British composer, Rory Freckleton, which was released by

Quartz Music Limited

in 2018. In 2016, Samantha was commissioned to write a piece for Sir Andrew Parmley, for his inauguration as the Lord Mayor of London. Her debut recital at St John's Smith Square was chosen to be recorded by 'Slow Down London', to be featured in their festival and she was also shortlisted for a 'Woman of the Future' Award in Arts and Culture in association with Shell, resulting in an interview for ‘Stylist’ Magazine.

Samantha was awarded a fellowship from the Guildhall School of Music for the year 2007/8, where she studied under the Senior Professor Joan Havill. She previously studied with Leslie Riskowitz and at Chetham's School of Music with Alicja Fiderkiewicz.

More info on the composer: https://www.samanthaward.org

イギリスのピアニスト、作曲家、ピアノウィークのアーティスティックディレクター、サマンサウォード(そして親愛なる友人❤️)の「エミリーの為のタンゴ」(エミリーパール専用)Schott Musicから出版された「Rel​​ax with Meditative Piano」より。 彼女は言う:「私は素晴らしいピアニストである私の親愛なる友人エミリーキャンベルのために作品を書いた、そしてそれはショットミュージックロンドンによって出版された「瞑想的なピアノでリラックス」の中にある。 音楽はこちらで購入できます:https://en.schott-music.com/shop/relax-with-meditative-piano-no385024.html?___SID=U PIANO WEEKのオンライン版は2020年7月25日〜30日に開催されます:https://pianoweek.com/online 彼女の世代の主要な英国のピアニストの1人であるサマンサワードは、英国、中国、日本、ドイツ、イタリア、フランス、ギリシャ、マカオを中心に幅広く演奏し、全国のテレビやラジオに何度も出演しています。彼女は2007年にウィグモアホールで単独のロンドンデビューを果たし、セントマーティンインザフィールズ、セントジョンズスミススクエア、マンチェスターズブリッジウォーターホール、カーディフのセントデイビッズホール、東京のトッパンホールなどの主要な会場で演奏しました。彼女は、2004年にメイキングミュージックフィリップアンドドロシーグリーンアワードヤングコンサートアーティスト賞を受賞して以来、数多くのコンペティションで最優秀賞を受賞しています。彼女はまた、ベートーベン協会ヨーロッパのピアノ大学コンペティション、ヘイスティングス国際コンチェルトコンペティション、ならびに最高のモーツァルトまたはベートーベンコンチェルトのサーフィリップレジャー賞、およびミュージシャンのメイジールイスヤングコンサートアーティストファンド賞を受賞しています。 2013年8月、サマンサはPIANO WEEKの国際フェスティバルと、あらゆる年齢と能力のピアニストのためのサマースクールを設立しました。 PIANO WEEK 2015、2016、2017、2018で、サマンサは世界で最も著名なピアニストの1人であるスティーブンコヴァセヴィッチと一緒にフェスティバルを締めくくり、ラフマニノフとドビュッシーによる2つのピアノのための作品を演奏しました。今年の8月には、国際的に高く評価されているオーストラリアのピアニスト、レスリーハワードと、ピアーウィークのピアニストで共同監督であるマチェイラグジニアとともに、パーシーグレイインガーによる2つのピアノ/ 6ハンドの作品を​​演奏しました。 2020年、フェスティバルは中国、イタリア、日本に招待され、英国のレジデンスと並んで国際ツアーを続けています。 PIANO WEEKはG. Henle VerlagとSchott Musicのパブリッシャーによってサポートされており、2020年はPianistとのメディアパートナーシップの始まりです。 2017年から、PIANO WEEKはSteinway&Sons Asia Pacificとのコラボレーションを開始し、2018年以降はSteinway&Sons UKがそれに続きます。 2018年と2019年には、フェスティバルが招待され、北京、東京、ロンドンのスタインウェイホールでショーケースコンサートとマスタークラスが開催されました。

サマンサはパフォーマンスの経歴の他に、Schott Musicのパブリッシャーのレコーディングアーティスト兼作者でもあり、ソロとデュエットの両方のアルバムを頻繁にレコーディングしており、現在はピアニスト向けの6つの「リラックス」アンソロジーシリーズを完成させています。 2019年には、チャールズピーブルズのもとでロイヤルリバプールフィルハーモニー管弦楽団とドラブライトがピアノとオーケストラのために制作した2つの作品のSOMMレコーディングを含む彼女のアルバムがリリースされ、非常に高い評価を得ました。彼女は最近、イギリスの作曲家、ロリー・フレックルトンのピアノ作品全集をリリースした。 Quartz Music Limited 2018年、サマンサはロンドン市長として就任したアンドリューパーマリー卿の作品の執筆を依頼されました。セントジョンズスミススクエアでのデビューリサイタルは、「スローダウンロンドン」によって録音され、フェスティバルで特集されるように選ばれました。また、シェルと共同で芸術と文化の「未来の女」賞にも選出されました。 「スタイリスト」誌のインタビューで。 サマンサはギルドホール音楽学校から2007/8年度のフェローシップを授与され、そこでジョアンハビル上級教授に師事しました。彼女は以前、レスリーリスコビッツと、アリチャフィデルキェヴィチとチェタム音楽学校で学びました。 作曲家に関する詳細:https://www.samanthaward.org

サマンサ・ウォード「エミリーの為のタンゴ」
 

22.Germaine Tailleferre (1892-1983)ジェルメーヌ・タイユフェール

Germaine Tailleferre (1892-1983)’s Impromptu, written when she was 17. She was a French composer and the only female member of the group of composers known as Les Six.

Marcelle Germaine Taillefesse was born at Saint-Maur-des-Fossés, Val-de-Marne, France, but as a young woman she changed her last name to "Tailleferre" to spite her father, who had refused to support her musical studies. She studied piano with her mother at home, composing short works of her own, after which she began studying at the Paris Conservatory where she met Louis Durey, Francis Poulenc, Darius Milhaud, Georges Auric, and Arthur Honegger. At the Paris Conservatory her skills were rewarded with prizes in several categories. Most notably, Tailleferre wrote 18 short works in the “Petit livre de harpe de Madame Tardieu” for Caroline Luigini, the Conservatory’s Assistant Professor of harp.

With her new friends, she soon was associating with the artistic crowd in the Paris districts of Montmartre and Montparnasse, including the sculptor Emmanuel Centore who later married her sister Jeanne. It was in the Montparnasse atelier of one of her painter friends where the initial idea for Les Six began. The publication of Jean Cocteau's manifesto “Le coq et l'Arlequin” resulted in Henri Collet's media articles that led to instant fame for the group, of which Tailleferre was the only female member.

In 1923, Tailleferre began to spend a great deal of time with Maurice Ravel at his home in Montfort-l'Amaury. Ravel encouraged her to enter the Prix de Rome Competition. In 1926, she married Ralph Barton, an American caricaturist, and moved to Manhattan, New York. She remained in the United States until 1927, when she and her husband returned to France. They divorced shortly thereafter.

Tailleferre wrote many of her most important works during the 1920s, including her First Piano Concerto, the Harp Concertino, the ballets Le marchand d'oiseaux (the most frequently performed ballet in the repertoire of the Ballets suédois during the 1920s), La nouvelle Cythère, which was commissioned by Sergei Diaghilev for the ill-fated 1929 season of the famous Ballets Russes, and Sous les ramparts d'Athènes in collaboration with Paul Claudel, as well as several pioneering film scores, including B'anda, in which she used African themes.

After the Second World War, in 1946, after having escaped France to the US, she returned to her home in France, where she composed orchestral and chamber music, plus numerous other works including the ballets, operas and the Concerto des vaines paroles for baritone voice, piano, and orchestra, the Concerto for Soprano and Orchestra, the Concertino for Flute, Piano, and Orchestra, the Second Piano Concerto, the Concerto for Two Guitars and Orchestra, her Second Sonata for Violin and Piano, and the Sonata for Harp, as well as an impressive number of film and television scores. The majority of this music was not published until after her death.

Germaine Tailleferre continued to compose prolifically right up until a few weeks before her death, aged 91, on 7 November 1983 in Paris. She is buried in Quincy-Voisins, Seine-et-Marne, France.

Her full list of works is here: https://en.m.wikipedia.org/wiki/List_of_compositions_by_Germaine_Tailleferre

ジェルメーヌ・タイユフェール(1892〜1983年)の即興曲。17歳のときに書かれました。彼女はフランスの作曲家であり、レシックスとして知られる作曲家グループの唯一の女性メンバーでした。 Marcelle Germaine Taillefesseは、フランスのヴァルドマルヌのサンモールデフォセで生まれましたが、若い女性として、音楽の勉強をサポートすることを拒否した父親に関係なく、彼女の姓を「Tailleferre」に変更しました。彼女は自宅で母親と一緒にピアノを学び、自分の短編曲を作曲しました。その後、パリ音楽院で学び始め、そこでルイデュレイ、フランシスプーレン、ダリウスミロー、ジョルジュオーリック、アーサーホネガーに会いました。パリ音楽院では、彼女のスキルにいくつかのカテゴリの賞が贈られました。特に、テイレフェールは、音楽院のハープ助教授であるキャロラインルイジーニのために、「プティリヴルドハープドマダムタルデュー」で18の短編作品を書きました。 彼女は新しい友達とすぐに、後に姉のジャンヌと結婚した彫刻家のエマニュエルセントーレを含む、モンマルトルとモンパルナスのパリ地区の芸術的な群衆と付き合いました。レシックスの最初のアイデアが始まったのは、画家の友人の1人のモンパルナスアトリエでした。ジャンコクトーのマニフェスト「Le coq et l'Arlequin」の出版により、アンリコレットのメディア記事がそのグループにすぐに名声をもたらし、その中でTailleferreが唯一の女性メンバーでした。 1923年、タイレフェールはモンフォールラモーリーの自宅でモーリスラヴェルと長い時間を過ごし始めました。ラヴェルは彼女にローマドゥプリコンに参加するように勧めました。 1926年、彼女はアメリカの風刺漫画家、ラルフ・バートンと結婚し、ニューヨークのマンハッタンに引っ越した。彼女は彼女と彼女の夫がフランスに戻った1927年までアメリカに留まりました。彼らはその後まもなく離婚した。 Tailleferreは、1920年代に彼女の最も重要な作品の多くを書きました。これには、彼女のファーストピアノ協奏曲、ハープコンチェルティーノ、バレエLe marchand d'oiseaux(1920年代にバレエスエドワのレパートリーで最も頻繁に演奏されたバレエ)、La nouvelleCythèreが含まれます。 、セルゲイディアギレフが1929年の有名なバレエリュスの悪名高いシーズン、およびポールクラウデルとのコラボレーションによるスレランパーツダテネス、ならびに彼女が使用したバンダを含むいくつかの先駆的な映画のスコアのために委託されました。アフリカのテーマ。

第二次世界大戦後、1946年にフランスから米国に逃れた後、フランスの自宅に戻り、オーケストラと室内楽のほか、バレエ、オペラ、コンチェルトデヴァインバリトンの仮釈放など、数多くの作品を作曲しました。声、ピアノ、オーケストラ、ソプラノとオーケストラのための協奏曲、フルート、ピアノ、オーケストラのための協奏曲、第2のピアノ協奏曲、2つのギターとオーケストラのための協奏曲、ヴァイオリンとピアノのための第2ソナタ、ハープのためのソナタ、そして印象的な数の映画やテレビのスコア。この音楽の大部分は彼女の死後まで出版されませんでした。 ジャーメインテイレフェールは、1983年11月7日、パリで91歳になる彼女の死の数週間前まで、作曲を続けてきました。彼女はフランスのセーヌ・エ・マルヌのクインシー・ヴォワザンに埋葬されている。 彼女の作品の完全なリストはこちらです:https://en.m.wikipedia.org/wiki/List_of_compositions_by_Germaine_Tailleferre

ジェルメーヌ・タイユフェール 即興曲
 

23.Clara Schumann  クララ・シューマン(1819-1896)

Probably the best known female pianist and composer, the German Clara Schumann (1819-1896) whose bicentenary just passed last year: but have you heard her music? This is Three Romances (Drei Romanzen) Op.21 No.1.

Clara Josephine Schumann was a German pianist, composer and piano teacher. Regarded as one of the most distinguished pianists of the Romantic era, she exerted her influence over a 61-year concert career, changing the format and repertoire of the piano recital from displays of virtuosity to programs of serious works. She also composed solo piano pieces, a piano concerto (her Op. 7), chamber music, choral pieces, and songs.

She grew up in Leipzig, where her father, Friedrich Wieck, was a professional pianist and teacher, and her mother an accomplished singer. She was a child prodigy, trained by her father. She began touring at age eleven, and was successful in Paris and Vienna, among other cities. She married composer Robert Schumann, and the couple had eight children. Together, they encouraged Johannes Brahms and maintained a close relationship with him. She premiered many works by her husband and by Brahms in public.

After Robert Schumann's early death, she continued her concert tours in Europe for decades, frequently with the violinist Joseph Joachim and other chamber musicians. Beginning in 1878, she was an influential piano educator at Dr. Hoch's Konservatorium in Frankfurt, where she attracted international students. She edited the publication of her husband's work. Schumann died in Frankfurt, but was buried in Bonn beside her husband.

Several films have focused on Schumann's life, the earliest being Träumerei (Dreaming) of 1944. A 2008 film, Geliebte Clara (Beloved Clara), was directed by Helma Sanders-Brahms. An image of Clara Schumann from an 1835 lithograph by Andreas Staub was featured on the 100 Deutsche Mark banknote from 1989 to 2002. Interest in her compositions began to revive in the late 20th century, and her 2019 bicentenary prompted new books and exhibitions.

More info on Clara Schumann: https://www.schumann-portal.de/Biography-Clara.html

おそらく、最も有名な女性ピアニスト兼作曲家、ドイツ人のクララシューマン(1819-1896)は、昨年生誕200周年を迎えましたが、彼女の音楽を聴きましたか?これは、3つのロマンス(Drei Romanzen)Op.21 No.1です。 クララジョセフィーヌシューマンはドイツのピアニスト、作曲家、ピアノの教師でした。ロマンティック時代の最も著名なピアニストの1人と見なされ、彼女は61年間のコンサートキャリアに影響を与え、ピアノのリサイタルの形式とレパートリーを、妙技の表示から本格的な作品のプログラムに変更しました。彼女はまた、ソロピアノ曲、ピアノ協奏曲(彼女の作品7)、室内楽、合唱曲、歌を作曲しました。 彼女はライプツィヒで育ちました。そこでは、彼女の父親であるフリードリヒヴィークがプロのピアニストであり教師であり、彼女の母親は熟練した歌手でした。彼女は彼女の父親によって訓練された子供の天才でした。彼女は11歳でツアーを始め、パリやウィーンなどで成功しました。彼女は作曲家のロバートシューマンと結婚し、夫婦には8人の子供がいました。一緒に、彼らはヨハネスブラームスを励まし、彼との密接な関係を維持しました。彼女は夫とブラームスの多くの作品を公に初演しました。 ロバートシューマンの初期の死後、彼女はバイオリン奏者のジョセフヨアヒムや他の室内ミュージシャンと頻繁にヨーロッパでのコンサートツアーを数十年間続けました。 1878年からフランクフルトにあるホッホ博士のコンセルヴァトリウムで影響力のあるピアノ教育者として、留学生を魅了しました。彼女は夫の作品の出版物を編集しました。シューマンはフランクフルトで亡くなりましたが、夫のそばでボンに埋葬されました。 いくつかの映画はシューマンの生涯に焦点を当てており、最も早いものは1944年のトレウメイライ(Dreaming)です。2008年の映画、Geliebte Clara(最愛のクララ)はHelma Sanders-Brahmsが監督しました。アンドレアススタウブによる1835年のリトグラフからのクララシューマンの画像は、1989年から2002年までの100ドイツマルクト紙幣に掲載されました。彼女の作曲への関心が20世紀後半に復活し始め、2019年の200周年で新しい本や展示会が始まりました。 Clara Schumannの詳細:https://www.schumann-portal.de/Biography-Clara.html

クララ・シューマン 3つのロマンス作品21-1
 

24.Maiko Mori 森 麻衣子

Amazing Japanese pianist and composer

Maiko Mori

’s ‘Lonely Blues’ (2nd mov.) from “New York Story”, composed when she was just 11!

She says: “I wrote this piece while I was still studying at school. It gained much popularity as I perform globally in later years. The piece has a happy jazzy vibe and much influence of Gershwin. “New York Story” is a set of three pieces, depicting three different scenes of New York City where I longed to visit in my childhood.”

About Maiko:

Since winning first prize at the Birmingham International Piano Competition in 2002, Maiko Mori has continued to build an international career as one of the outstanding soloists and chamber musicians of her generation. Maiko has been described as “clearly an exceptional artist, providing herself to be both a thrilling virtuoso and a fine poet of the keyboard…” (Musical Opinion Magazine)

Maiko made her concerto debut in the UK with the RCM Symphony Orchestra conducted by Vasily Petrenko. Since then, she has given recitals in many of the major UK venues such as Purcell Room, the Bridgewater Hall, West Road Hall and Kings Place. Most recently, she has performed Rachmaninoff's Piano Concerto No.2 with the Ritsumeikan Symphony Orchestra, and Brahms's Piano Concerto No.2 with the Camden Symphony Orchestra.

Her teachers have included Dmitri Alexeev, Andrew Ball, Andrzej Esterhazy, Benjamin Kaplan as well as Timothy Salter on composition.

Maiko Mori is currently piano professor at the University of Chichester. She is also an official accompanist at Goldsmiths University.

More info on her website: www.maiko-mori.com

The complete performance by the composer on Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=HFY-MUDiqCw

The score is available on: https://www.sheetmusicplus.com/title/new-york-story-digital-sheet-music/21813256?fbclid=IwAR2gNUUCKsGgRA9WWAP571QYsTv-OaF_3Wn0lHNJdVBXtcRWYeCd7acb9uI

今日の女流作曲家のクリップは、素晴らしいピアニストと作曲家の森麻衣子さんが11歳の時に作曲された「ニューヨーク・ストーリー」より第2楽章「ロンリー・ブルース」です。

4歳からヤマハ音楽教室にてピアノ、作曲を始める。2000年、英国王立音楽大学(Royal College of Music)の奨学金を得て渡英、同大学に入学。 在学中、英国で最も権威あるスカラシップであるMBF財団のイアン・フレミング奨学金、マイラ・ヘス・奨学金、その他、San-Ei Gen F.F.I.によるゲン財団奨学金を受賞。 2005年、英国王立音楽大学代表として、英国全音楽大学選抜オーディションにノミネートされ優勝し ワーシップフル・カンパニー・オブ・ミュージシャンよりカーンワス賞を授与される。 2004年学士号、2006年修士号を共に首席で卒業し、ホプキンソン・ゴールドメダルを受賞する。ピアノを柴田千賀子、ベンジャミン・カプラン、アンド リュー・ボール、アンジェイ・エステルハージー、ドミトリー・アレクセーフ各氏に、また室内楽をヨンティー・ソロモン氏に、作曲をティモシー・ソルター氏 に師事する。

2002年に英国ブラント国際コンクール(バーミンガム)で第一位を受賞後、RCM交響楽団と、プロコフィエフ・ピアノ協奏曲第3番を、ヴァシリー・ペトレンコの指揮の下で演奏し、協奏曲デビューを果たす。その後三度に渡り、インドにてボンベイ・ チェンバー・オーケストラと共演。また、イギリスを拠点に、ブリッジウォーター・ホール、ウェスト・ロード・ホール、パーセル・ルームなど、重要なホールで数々のリサイタルを行う。2011年に、タブロー・レコードよりCDをリリース。バロックから現代まで、幅広いレパートリーを持ち、特にイギリス後期ロマン派、また現代曲の研究に積極的に取り組んでいる。

室内楽の分野においても意欲的に活動を行い、ピアノ三重奏グループ「トリオ・アクイロン」のピアニストとして活躍、その演奏はイギリスBBCラジオ、ラジオ・フランスで放送された。ヨーロッパでのコンサート活動のほか、豪華客船「キュナード・ライン」、「プリンセス・クルーズ・ライン」などで、メインコンサートに出演している。また、現在は英国チチェスター大学でピアノ講師として後進の指導にも当たっている。

森 麻衣子「ニューヨーク・ストーリー」より第2楽章「ロンリー・ブルース」

25.Amy Beach エイミー・ビーチ(1867-1944)

 

Another week! Featured already at #6, today’s clip is American pianist and composer Amy Beach (1867-1944)’s “Dreaming” from Four Sketches Op.15 No.3.

This week, I will be posting clips of composers whose music I particularly like, and also of my colleagues. I will pause at #30 to focus on other projects but hope to resume in the near future!

Thank you for all your support of many messages- it has been a real learning curve and joy to share many of the unknown female composers (24 in total so far ) and their music!

さてまた週の始まり!本日の曲は、すでに6番で紹介されている、アメリカのピアニスト兼作曲家のエイミービーチ(1867-1944)の「4つのスケッチ Op.15 No.3」の「ドリーミング」です。 今週は、特に気に入った作曲家と私の同僚の曲を投稿します。 30曲目で一時停止して他のプロジェクトに集中しますが、近いうちに再開したいと思います! 多くのご支援のメッセージを頂き、ありがとうございます。知られていない多くの女性作曲家(これまでに合計24名)のこととその音楽を共有することは、本当に楽しく良い勉強になりました!

エイミービーチ「ドリーミング」
「4つのスケッチ Op.15 No.3」
 

26.Sally Wave サリー・ウェーブ(1913-1972)

サリー・ウェーブ 「ロスト」(2020)から
Var.6「水面で踊る」

Featured already at #18, this is the jazzy Var.6 “Dancing on the Surface of the Water” from Bulgarian pianist & composer

Sally Wave

’s “Lost” (2020).

Her music is published at sheetmusicplus.com.

For more info please visit: sallywave.com

すでに#18で紹介されている、ブルガリアのピアニスト&作曲家サリー・ウェーブ の「ロスト」(2020)からジャジーなVar.6「水面で踊る」です 。 彼女の音楽はsheetmusicplus.comで公開されています。‬ 詳細については、sallywave.comをご覧ください。

27.Maria Szymanowska マリア・シマノフスカ(1789-1831 ) 

 

Maria Szymanowska (1789-1831)’s only Nocturne in B flat major. Published posthumously in 1852, it was probably written ca.1820-1825, thus probably creating a link between John Field and Chopin’s Nocturne (see in photos, extracts from my thesis: https://openaccess.city.ac.uk/id/eprint/22012/).

Further recommended reading by Prof. Slawomir Dobrzanski on the influences of Szymanowska on Chopin:

https://polishmusic.usc.edu/research/publications/polish-music-journal/vol5no1/maria-szymanowska-and-fryderyk-chopin/

マリアシマノフスカ(1789年〜1831年)の唯一のノクターン(変ロ長調)。 1852年に死後に公開されたので、おそらく1820年から1825年頃に書かれたため、おそらくジョンフィールドやショパンのノクターンと関連して作曲されています(写真を参照、私の論文からの抜粋:https://openaccess.city.ac.uk/id/ eprint / 22012 /)。 ショパンに対するシマノフスカの影響について、スラウォミール・ドブザンスキー教授が書かれているので読むことをお勧めします: https://polishmusic.usc.edu/research/publications/polish-music-journal/vol5no1/maria-szymanowska-and-fryderyk-chopin/

マリアシマノフスカ ノクターン(変ロ長調)

28.May Fukasawa 深澤 舞

Featured already at #7, today’s clip is Japanese composer

Mai Fukasawa

’s “And It Dropped And Became A Jewel (Sorewa Ochite Houseki ni Natta)”.

Mai composes on the theme of prayer sounds and have been performed and published in Japan, US, and Europe. Mai completed a graduate course at the Toho Gakuen College of Music in Tokyo, after which she earned a distinction in a Master of Music in Composition from the Guildhall School of Music & Drama in London. After moving to Boston, Mai was honoured with a scholarship from the Berklee College of Music, where she continued her studies in the film scoring department. Mai was invited to the #CityofLondonFestival and her pieces have been broadcast on #BBCRadio. She is currently a pre-college course lecturer at the Toho Gakuen College of Music.

今日のクリップは、すでに7番目に取り上げられている日本の作曲家深澤舞の「それは落ちて宝石になった」です。 舞は祈りの音をテーマに作曲を行い、日本、アメリカ、ヨーロッパで演奏、出版されている。東京の桐朋学園音楽大学で大学院を修了した後、ロンドンのギルドホール音楽学校で作曲の修士号を取得しました。ボストンに引っ越した後、舞はバークリー音楽大学の奨学金を受けて、映画音楽部門で勉強を続けました。舞はシティオブロンドンフェスティバルに招待され、彼女の作品はBBCラジオで放送されました。現在、彼女は桐朋学園音楽大学でプレカレッジコースの講師を務めています。

 
深澤舞「それは落ちて宝石になった」

29.Meredith Jane Monk  メレディス・ジェーン・モンク(1942- )

 

American composer, performer, director, vocalist, filmmaker, and choreographer Meredith Jane Monk (1942- )’s “Railroad (Travel Song)”.

Her music has been used in films by the Coen Brothers (The Big Lebowski, 1998) and Jean-Luc Godard (Nouvelle Vague, 1990 and Notre musique, 2004). Trip hop musician DJ Shadow sampled Monk's "Dolmen Music" on the song "Midnight in a Perfect World." In 2015, she was awarded the National Medal of Arts by President Barack Obama.

Monk's performances have influenced many artists, including Bruce Nauman, whom she met in San Francisco in 1968. In 1978 Monk formed Meredith Monk and Vocal Ensemble (modeled after similar ensembles of musical colleagues, such as Steve Reich and Philip Glass), to explore new and wider vocal textures and forms, which often were contrasted with minimal instrumental textures. Monk began a long-standing relationship with the Walker Art Center of Minneapolis, which continues to showcase her work to this day. During this period Monk recorded Dolmen Music (1979), her first album released on Manfred Eicher's record label ECM, in 1981.

In the early 1990s, Monk composed an opera called Atlas, which premiered in Houston, Texas, in 1991. She has also written pieces for instrumental ensembles and symphony orchestras. Her first symphonic work was Possible Sky (2003). It was followed by Stringsongs (2004) for string quartet, which was commissioned by the Kronos Quartet. In 2005, events were held all over the world in celebration of the 40th anniversary of her career, including a concert in Carnegie Hall featuring Björk, Terry Riley, DJ Spooky (who sampled Monk on his album Drums of Death), Ursula Oppens, Bruce Brubaker, John Zorn, and the new music ensembles Alarm Will Sound and Bang on a Can All-Stars, along with the Pacific Mozart Ensemble. Meredith Monk has been composer in residence for Carnegie Hall, concluding in 2015.

In an interview, Monk said that her favourite music includes Brazilian music, especially Caetano Veloso's recordings, the music by Mildred Bailey ("the great jazz singer from the ‘30s and ‘40s"), and Bartók's cycle for piano Mikrokosmos.

Monk has won numerous awards, including a MacArthur Fellowship and the Creative Capital Award in the discipline of Performing Arts. She has also been a MacDowell Fellow six times (1987, 1988, 1994, 1996, 2001, Winter 2007). She has been awarded honorary Doctor of Arts degrees from Bard College, the University of the Arts (Philadelphia), the Juilliard School, the San Francisco Art Institute and the Boston Conservatory. In 2007, she received in Italy the Demetrio Stratos International Award for musical experimentation.

アメリカの作曲家、パフォーマー、ディレクター、ボーカリスト、映画製作者、振付家のメレディス・ジェーン・モンク(1942-年)の「鉄道(トラベルソング)」。 彼女の音楽は、Coen Brothers(The Big Lebowski、1998)とJean-Luc Godard(Nouvelle Vague、1990 and Notre musique、2004)によって映画で使用されています。旅行ホップミュージシャンのDJシャドウが、「ミッドナイトインパーフェクトワールド」の曲でモンクの「ドルメンミュージック」をサンプリングしました。 2015年には、バラクオバマ大統領から国立芸術勲章を授与されました。 モンクのパフォーマンスは、1968年にサンフランシスコで出会ったブルースナウマンを含む多くのアーティストに影響を与えました。1978年、モンクはメレディスモンクとボーカルアンサンブル(スティーブライヒやフィリップグラスなどの音楽的な同僚の類似のアンサンブルをモデルにしています)を結成し、最小限の楽器のテクスチャーとは対照的だった、幅広いボーカルのテクスチャーとフォーム。モンクは、ミネアポリスのウォーカーアートセンターと長年の関係を築き、現在も彼女の作品を紹介しています。この期間中、モンクはドルメンミュージック(1979)を録音しました。これは、1981年にマンフレッドアイヒャーのレコードレーベルECMでリリースされた最初のアルバムです。 1990年代初頭、モンクは1991年にテキサス州ヒューストンで初演されたアトラスと呼ばれるオペラを作曲しました。彼女はまた、楽器アンサンブルと交響楽団のための作品も書いています。彼女の最初の交響曲はポッシブルスカイ(2003)でした。その後、クロノスカルテットから委託された弦楽四重奏のための弦歌(2004)が続きました。 2005年、カーネギーホールでのビョーク、テリーライリー、DJスプーキー(彼のアルバム「ドラムスオブデス」のサンプリング)、ウルスラオッペンス、ブルースをフィーチャーしたコンサートなど、彼女のキャリア40周年を記念するイベントが世界中で開催されました。 Brubaker、John Zorn、そして新しい音楽アンサンブルは、Alarm Will SoundとCan All-Starsのバング、そしてPacific Mozart Ensembleです。メレディスモンクは、2015年にカーネギーホールの居住地で作曲家を務めています。 インタビューでモンクは、彼女のお気に入りの音楽にはブラジル音楽、特にカエタノヴェローゾの録音、ミルドレッドベイリーの音楽(「30年代と40年代の偉大なジャズシンガー」)、ピアノミクロコスモスのためのバルトークのサイクルが含まれると述べました。 モンクは、マッカーサーフェローシップや舞台芸術の分野でのクリエイティブキャピタル賞など、数多くの賞を受賞しています。また、マクダウェルフェローを6回務めています(1987、1988、1994、1996、2001、2007年冬)。彼女は、バードカレッジ、芸術大学(フィラデルフィア)、ジュリアード音楽院、サンフランシスコ美術館、ボストン音楽院から名誉芸術博士号を授与されています。 2007年に、彼女はイタリアで音楽実験のためのDemetrio Stratos International Awardを受賞しました。

メレディス・ジェーン・モンク「鉄道(トラベルソング)」

30.Melanie Spanswick メラニー・スパンズウィック

 

Here is a message to thank everyone who came along on this journey with me as I close this chapter of the series. The 2nd clip is the premiere in Tokyo of Melanie Spanswick’s Enigma (2019), written for me. It was premiered at Symphony Salon as part of PIANO WEEK Tokyo in April 2019.

All clips from #1-30 can be heard in their entirety on my Youtube channel: https://www.youtube.com/channel/UCvoQRJvwD1moOzJidRLEmxg

More info on: www.melaniespanswick.com

The music can be purchased here: https://en.schott-music.com/shop/simply-driven-no405496.html

Thank you for to everyone for your support! And a special thank you to

Pianist for your many retweets and for including the series as 1 of 5 best online performances for the last week of June !!

 

まずは、シリーズのこの章を閉じるにあたり、私と一緒にこの旅をしてくださったすべての方に感謝するメッセージを。 次の2番目にある演奏は、私のために書かれたメラニー・スパンズウィックのエニグマ(2019)の東京での初演です。 2019年4月にピアノ・ウィーク・東京の一環としてシンフォニー・サロンで初演されました。

これまでの1〜30のすべての演奏は、私のYouTubeチャンネル(https://www.youtube.com/channel/UCvoQRJvwD1moOzJidRLEmxg)で聞くことができます。

メラニー・スパンズウィックの詳細:www.melaniespanswick.com

楽譜はこちらで購入できます:https://en.schott-music.com/shop/simply-driven-no405496.html

皆様のご支援ありがとうございました!

そして、ピアニスト誌には、6月の最後の週の5つの最高のオンラインパフォーマンスの1つとしてこのシリーズを認めてくださったことに特別に感謝します🎹❤️!!

メラニー・スパンズウィック 「エニグマ(2019)」

 2020/10/27  by Snow Crystal Music